Музыка сучасності

Музыка ХХ века

Реферат А. Ракитина.

Введение

Развитие світової музики XX столітті йшло настільки все швидше, описати все напрями, течії і відгалуження щодо одного рефераті неможливо. У астоящем рефераті вирішив висвітлити розвиток і перебіг тих жанрів, що їх вважаю найхарактернішими при цьому тимчасового періоду або найбільш близькими мені особисто. До них стосується першу чергу радянська музика, бо вона в значною мірою відбитком історії мого народу.

Советская музика у першій половині ХХ века

Мне здається буде об'єктивним показати історію розвитку радянської музики з прикладу творчості кількох найяскравіших композиторів. Собі я вибрав лише трьох: С.С. Прокоф'єв, Д. Д. Шостакович і Арам Хачатурян. Зрозуміло, ними не вичерпується список видатних композиторів радянських часів. Але, як на мене, роботи трьох дуже різних, самобутніх творців досить повно характеризують музичну картину того времени.

С. З. Прокофьев

Сергей Сергійович Прокоф'єв народився 23 квітня 1891 року у Сонцовке Катеринославської губернії. Музику він чув у домі від народження. Мати Марія Григорівна грала сонати Бетховена, мазурки і ноктюрни Шопена, п'єси Чайковського. О 5-й з з років Серьожа вже склав фортепіанну п'єску під назвою «Індійський галоп ». Невдовзі з’явилися б і інші твори. Марія Григорівна був і його першої вчителькою музыки.

Окончив в 1904 року консерваторію, Прокоф'єв багато років живе виступав як піаніст мови у Франції, Іспанії, Англії, Америці, Японії, на Кубі та у багатьох країни. Всюди композитор грав свої твори, яке нові опери, і балети виконувалися у містах світу. Так було в 1921 року у Чикаго відбулася прем'єра весёлой, блискучої опери Прокоф'єва «Любов до трьох апельсинів «(за казкою італійського письменника Карло Гоцці). У тому ж року композитор закінчив третій концерт для фортепіано. Найкращі твори Прокоф'єва минулих років були присвячені Родине.

Сюжет балету про будівництві нове життя у Росії, названого «Сталевий скок », виявився наївним, «індустріальним ». «Прокоф'єв мандрує нашим країнам, але відмовляється мислити по-нашому », писали зарубіжні газети прем'єру балету, поставленого у Парижі й Лондоні у 1927 року. За кордоном Прокоф'єв зустрічався із багатьма видатними діячами мистецтва (композиторами Равелем, Стравінським, Рахманіновим, диригентами Стоковским і Тосканіні, киноартистом Чарлі Чапліном і багатьма іншими). Але атмосфера гарячковою художнього життя Парижа 20-х не задовольняла его.

Возвратившись в Росію, Прокоф'єв знову зустрічається зі своїми друзяками Мясковским і Асафьевым. У 1935 року створено балет «Ромео і Джульєтта «(по трагедії Шекспіра). Слід зазначити, щодо Прокоф'єва великі музиканти, писали балетну музику, не вирішувалися звертатися до шекспірівським трагедій, вважаючи, що вони складні для балету. Прокоф'єв пише музику як для театру, але й кіно. Наприклад, «Олександр Невський «(1938г), «Іван Грозний «(1945г). У творах радянських часів композитор особливо жадав ясності, доступності, простоті. Тоді ж написано оперу «Семен Котка «(за повістю У. Катаева «Я син трудового народу »), і навіть симфонічна казка «Петя і Вовк » .

Главной роботою композитора, в роки Великої Вітчизняної війни була грандіозна патріотична опера «Війна і світ ». Прокоф'єв і зараз замислювався з того, щоб у музиці образи великого твори Льва Толстого. Цікаво, що опера «Війна і світ «написана не так на умовний віршований текст лібрето, а справжній текст роману. Прокоф'єву важлива було саме інтонація толстовської промови, що він зумів передати в музыке.

В повоєнні роки побачили світ такі значні твори композитора: п’ята симфонія, присвячена «величі людського духу »; перша серія кінофільму «Іван Грозний «- нова спільна робота з Сергієм Ейзенштейном; світлий казковий балет «Попелюшка »; опера «Повість сьогодення людині «; балет «Розповідь про кам’яному квітці «; сюїта для дітей «Зимовий багаття » .

Последнее яке закінчила твір Прокоф'єва — Сьома симфонія — був задуманий спочатку як симфонія спеціально для дітей, але у процесі роботи набуло ширше значення — мудрої симфонічної казки, яка каже вроду й радість жизни.

Умер З. З. Прокоф'єв у Москві 5 березня 1953 года.

Арам Хачатурян

При перших звуках поетичного «Вальсу «по «Маскараду «Лермонтова, чи танцю з шаблями з балету «Гаяна «відразу чувтвуется — це й музика Хачатуряна. Відчувається особливого колориту східних мелодій, стрімкість танцювальних ритмів і особлива барвистість оркестру.

В музиці Хачатуряна є одна характерна риса — імпровізаційність. «Імпровізація допомагає зльоту моєї фантазії, але завжди пам’ятаю, що фантазію потрібно приборкувати суворої формою. У творі може бути задум, ідея. «.

Хачатурян почав серйозно займатися музикою, коли виповнилося 19 років. Він приїжджає в Москву і надходить у технікум їм. Гнєсіних, до класу віолончельної гри. Там він вдається до серйозним музичним творів. Індивідуальний почерк проявився у його музиці перших кроків. Навчання продовжив в Московської консерваторії. Саме там створив кілька симфонічних і камерних произведений.

Первая симфонія Хачатуряна — дипломна робота по закінченні консерваторії - визнана видатним твором. Воно складається з трьох частин, ліричні теми у ній протипоставлено танцювальним. Дуже швидка третина походить на національний грузинський танець «лезгинку » .

Вслед за Першої симфонією з’являється блискучий по віртуозності фортепіанний концерт оркестром. Яскравий з національного характеру музики й те водночас близький класичним фортепіанним концертам Чайковського, концерт Хачатуряна широковідомий. Крім камерних і симфонічних творів, композитор ще 30-х роках пише музику до кінофільмам. У соковитої по фарб оркеструванні Хачатуряна чутні звучання, близькі національним народним інструментам. Своєрідність танцювальних ритмів саме й надає музиці стрімкість, напруженість.

Концерт для скрипки з оркестром (1940) характером музики близький до фортепіанному концерту композитору. Він присвячений одного з кращих скрипалів на той час — Д. Ф. Ойстраху. Згодом Хачатуряном було створено балети «Гаяна «і «Спартак », «Ода пам’яті Леніна «й інші твори. Арам Хачатурян помер 1978 року.

Д. Д. Шостакович

Первое опубліковане твір Шостаковича було написане в 1922 року, у віці 16-и років. Це відомі у час «Три фантастичних танцю ». У той час Шостакович змушений був підробляти грою на сеансах німого кіно, як і раніше, який здобував стипендію в консерваторії. Його дипломна робота — Перша симфонія — відразу привернула до собі увагу глядачів. З неї почалася широка популярність Шостаковича. У наступні роки створено симфонії, опери «Ніс «і «Леді Макбет Мценського повіту », балети «Золотий століття », «Болт », «Світлий струмок », написана музика до спектаклям і кінофільмам.

Живая думку композитора вперто пробивалася крізь наносне, далеке духу російського мистецтва. Молодий Шостакович успішно виступає як і піаніст: виконує як свою музику, а й класику.

В 1937 року Шостаковичем створена П’ятою симфонією — це підсумок тривалих пошуків свого виразного мови, своєї теми музикою. Відкривається період зрілості композитора.

Успех приносять Шостаковичу і твори останніх: Шоста симфонія, квінтет, музика до фільмам «Виборзька сторона », «Великий громадянин », «Людина з рушницею » .

Во час війни Шостакович гребує їхати з блокадного Ленінграда. Він створює Сьому симфонію — «наші людях, стаючи героями, які у ім'я торжества над ворогом… про велич нашого народу… про нашу прекрасної природі, гуманізм, про красу… «Сьома симфонія уперше було виконана у березні 1942 року. Найкращі диригентиТосканіні, Стоковський та інших — домагалися права першими її исполнить.

Тема суворих військових випробувань звучить та інших творах Шостаковича минулих років — в тріо і Восьмий симфонії. Боротьбі за присвятив Шостакович свою Десяту симфонію. У 1954 року композитор удостоївся Міжнародної премії Мира.

Послевоенное творчість особливо багатоманітно. Він дуже багато і плідно працює. Їм створено Другий фортепіанний, скрипковий і віолончельний концерти, ораторія «Пісня про лісах », хорові поеми, 24 прелюдії і фуги для фортепіано, романси, музика до кинофильмам.

Дальнейшее творче просування показала Оденнадцатая симфонія Шостаковича «1905;й рік », назване вголос в 1957 року. Це перше програмна симфонія композитора. Усього Шостаковичем було створено 15 симфоний.

Всемирно відомий композитор, піаніст, громадський діяч, педагог, який виховав чимало чудових музикантів, Д. Д. Шостакович — одного з найвидатніших творців музики двадцятого століття.

Становление класичного джаза.

В час, коли людина, озброєний досягненнями науку й техніки, навчився поширювати інформацію з всій земній кулі легко вітру, гоняющего листя по галявині, важко когось здивувати тим, що ідеї тій чи іншій культури несподівано виявляються іншому, далекому від нього районі світу. І повсюдне поширення за якісь шістдесят — років такого унікального явища, як джаз, майже самий разючий факт нової доби. У період першої Першої світової, коли джаз Нового Орлеану і прилеглого щодо нього районів ще був народної музикою, кількість джазових музикантів не перевищувало кілька сотень, а число слухачів, переважно представників негритянської бідноти з дельти Міссісіпі, не досягало й п’ятдесяти тисяч. До 1920 року джаз став відомим, іноді у вигляді досить невмілих імітацій, скрізь Сполучених Штатів Америки. Десять років почали виконувати і - слухати переважно у містах Європи. До 1940 року і його вже знали в усьому світі, а до 1960 року він був повсюдно визнаний як самостійний музичний жанр, навіть як особливий вид искусства.

Джаз будь-коли був популярної музикою. Безсумнівно, раз у раз окремі форми джазу ставали популярними: було з «джазової» музикою 20-х, зі «свінгом» 1935 — 1945 рр., так стан справ з дискурсом «ритм-энт-блюз» сьогодні (звісно, популярність у СРСР ці стилі або не мали). У разі буде доречно казати про так званому «псевдоджазе» — всі перелічені вище напрями мали якісь невеликі елементи джазу і «видавалися» за справжній джаз, і слухачі, купували такі платівки, зазвичай не розбиралися б у джазі. Але справжній джаз — той, які ми самі джазмени вважають своєю музикою, — рідко набуває скільки-небудь широку популярность.

Джаз надавав і продовжує впливати протягом усього сучасній музиці. «рок», «фанк» і «душа», естрадна музика, музика кіно України й телебачення, значної частини симфонічної і камерній музики запозичували багато елементів джазу. Без перебільшення можна сказати, що став саме на фундаменті джазу виросло будинок сучасної поп-музыки.

Понять сутність джазу завжди був нелегко. Коли Луї Армстронга запитали, що таке джаз, він відповів так: «Якщо ви і запитуєте, то, вам цього будь-коли зрозуміти». Стверджують, що Фэтс Уоллер у цій ситуації сказав: «Якщо ви не знаєте, то краще не плутайтеся під ногами». Якщо вже такі великих музикантів ми змогли пояснити, що таке джаз, те й простому смертному це у змозі, і саме тому я — не намагаюся у цій роботі розкрити сутність джазу, а ставлю метою розкрити витоки цього феномена музикою та її розвиток.

В становленні джазу виділяють три периода:

1) зародження класичного джаза;

2) зрілий період (ера свинга);

3) совремеменный джаз: стилі бозу і кул-джаз.

Мне здається, що найбільше інтерес є період, тобто. зародження класичного джазу. Тому варто тільки його я постараюся висвітлити у цій работе.

Африканские корни

То, що джаз є дітищем американських негрів, безсумнівно. Зрозуміло, що негри, потрапляючи з Африки до Америки, привозили звідти свої звичаї, традиції. Особливість корінних африканців у цьому, що вони постійно відчувають свій зв’язок із громадою, тому звичаї і започаткував традицію негра переважно показують, висловлюють його зв’язку з громадою: він ототожнює себе з своїм плем’ям точно як і, як хлопчисько — з коханою спортивної командою: її перемоги та поразки переживаються їм, як особисті. Усі, що стосується племені, стосується й самого африканца.

Что ж є ця музика? Найбільш загальну характеристику її у тому, що вона невіддільні від рухів людського тіла. Вона тісно пов’язана з ударами долонь, притоптыванием і що особливо важливо, зі співами. Африканська музика — це передусім музика вокальна. Не всі африканці грають на барабані чи інших інструментах, але будь-який африканець співає українською й як соліст, й у групі, наприклад під час колективного праці, чи бере участь у респонсорном співі. Африканці найчастіше співають унісонно, справжнє гармонійне спів вони зустрічається редко.

Понять, наскільки складний і важкий — по крайнього заходу нам — ритм африканської музики, немузиканту зовсім непросто. Можливо, найкращий спосіб скласти уявлення ньому — це спробувати рівномірно відбити ногою два удару, а руками через те водночас зробити три бавовни. Досвідчений музикант легко чи впорається з такий завданням; студент музичного навчального закладу також має зуміти зробити це. Нині ж, зберігаючи постійний ритм ударів ногою, постарайтеся подвоїти чи потроїти кожен бавовну руками, чи чергувати потрійний і подвійний удари, чи синкопировать. Таке завдання може бути трудновыполнимой навіть досвідченого професіонала. А африканець робить це із надзвичайною легкістю, причому і натомість не одиничного метричного пульсу, а відразу кількох, частина яких нам видасться цілком не що з іншими. Така гра з допомогою «перехресних ритмів» — основа африканської музыки.

Какие ж музичні течії і стилі вплинули на становлення джазу? Крім африканської культової музики, яку негри привезли з собою на американську землю (спиричуэлы, хто був невід'ємною частиною негритянських релігійних церемоній, стрит-край — пісні вуличних торговців, уорк-сонг — пісні, які виконувалися неграми під час проведення будь-якої монотонної роботи) свій вплив надали блюз і рэг-тайм — стилі, які з’явилися початку 20-х.

Первые звуки джаза: «Original Dixieland Jazz Band».

Широкоизвестная легендою, що джаз народився Новому Орлеані, звідки на старих колісних пороходах добрався по Міссісіпі до Мемфіса, СентЛуїса і, нарешті до Чикаго. Обгрунтованість цієї легенди останнім часом ставилася під поруч істориків джазу, й у наші дні існує думка, що джаз виник у негритянської субкультурі одночасно у різних місцях Америки, насамперед у Нью-Йорку, Канзас-Сіті, Чикаго і Сент-Луисе.

Но, можливо, найпереконливіший свідчення за те, що батьківщина джазу — Новий Орлеан, залежить від характері міста. Новий Орлеан скидається на будь-який місто США. Це місто буквально пронизаний музикою і танцями. Веселий, галасливий, строкатий, він виділявся серед інших містах своєї музикальністю і тому давав негрові більші можливості для самовираження, ніж будь-який інше місто півдні США. З погляду джазу особливо важливий те що, що у Новому Орлеані сушествовала унікальна субкультура темношкірих креолов.

В період між 1895 і 1910 роками Нового Орлеані складається велика група музикантів, які відігравали саму різну музику — блюзи, регтайми, марші, популярні у побуті пісні, попурі на теми з оперних увертюр і арій, власні оригінальні п'єси. Армстронг згодом часто включав до своєї імпровізації фрагменти популярних оперних мелодій. Зазвичай, кольорові креоли не грали блюзи, воліючи їм класичну музику, а негрів, навпаки, вабила музика «груба», насичена рег-ритмами і синкопами, близькими їх рідному фольклору. Ці дві напрями поступово зливалися: марш, регтайм, уорк-сонг, блюз — європеїзована африканська музика і африканизированная європейська музика — все варилося в одному казані. І нарешті з цього мешанины виникла музика, досі невідома, на що не схожа, — музика, якої упродовж трьох наступних десятиліття потрібно було залишити вулиці Нового Орлеану, заклади для розваги і танцзалы і завоювати весь мир.

26 лютого 1917 року у Нью-Йоркській студії фірми «Victor» записали першу джазову грамплатівку. Значення цієї події історії джазу переоцінити неможливо. До виходу у світ цієї платівки джаз був скромним відгалуженням музичного фольклору, коло його виконавців обмежувався кількома сотнями негрів і жменькою білих новоорлеанців, поза цього його чули дуже рідко. Після виходу платівки «джаз» протягом кількох тижнів приголомшив Америку, а п’ятеро білих музикантів стали знаменитостями. Вони назвали свій оркестр «Original Dixieland Jazz Band».

Многие десятиліття дослідники джазу що неспроможні приховати невдоволення та роздратування по іронічних нарікань, що поставив запис першої джазової платівки належить групі білих музикантів, а чи не негритянському оркестру.

«Original Dixieland Jazz Band» вважався ансамблем без керівника, але насправді центральної постаттю у ньому був корнет Нік де Ла Рокка, який би ставив тон як виконавець, а й керівник усіма справами групи. У наступні роки ансамбль записав близько дюжини платівок здійснив гастрольну поїздку до Англії. Згодом він набував дедалі більше комерційний характері і у середині 20-х розпався. У 1936 року ансамбль знову спробували відродити, але, оскільки вона у відсутності успіху у публіки, з цього щось вышло.

Появление фонографа і механічного піаніно викликало повальне захоплення, яку широкий загал називала джазом. Насправді більшість те, що вона слухала, була або звичайнісінькою танцювальної музикою, чи обробками популярних мелодій з мінімальними елементами джазу. Таку комерційну музику грали як негри, і білі музиканти. Найвідомішим із яких був Пол Уайтмен.

Уайтмен народився в 1890 року, музичну освіту отримав за класу скрипки; грав у симфонічних оркестрах Денвера і Сан-Франциско. У 19-му році він очолив танцювальний оркестр і поза дватри роки зробив його найпопулярнішим колективом США. Коли джазовий бум досягла апогею, вона привласнила собі титул «короля джазу». Сам Уайтмен був джазменом, але добре знався на цієї музиці, й у час у його оркестрі грали всі кращі білі музиканти джазу минулих років. Що Співається оркестром музика була імпозантній і повнозвучній" сверхдетализированная в нотної записи, вона претендувала на «серйозність» і навіть становила майже повністю позбавлена духу джазу. Щоправда, деяким музикантам оркестру, особливо Бейдербеку, іноді дозволялося грати короткі джазові соло.

Именно цю музику широка біла публіка приймала за джаз. Вона, проте, була дуже розбірлива, і на естраду проникало багато істинного джазу. Така ситуація дозволила піонерам джазу мати постійну роботу, удосконалювати свою майстерність, брати участь у записах на платівки. Саме завдяки тисячам грамплатівок з записами першокласних музикантів неухильно зростав інтерес до новоорлеанской музыке.

Сидней Беше і Джозеф «Кінг» Оливер

Первые джазмени стали їхати з Нового Орлеану ще на початку 10-х років, але масовий їх від'їзд розпочалося 1917 року, після закриття Сторивилля (район Нового Орлеані, де були зосереджені проституція, торгівля алкоголем і наркотиками і т.ін). Зайнятість музикантів у зв’язку з закриттям Сторивилля (музика у якому була невід'ємною частиною) зовсім на зменшилася, оскільки більшість оркестрів працювали поза Сторивилля. Отже, цей факт було винятково символічний. Музикантів вабили на Північ передусім економічні міркування, пов’язані зі зростанням негритянських гетто у крупних містах північних штатів. Так чи інакше, більшість провідних новоорлеанских джазменів залишило своєму рідному місті. Двоє їх пізніше залишили помітний слід історії джазу. Йдеться Джозефі «Кинге» Оливере і Сіднеї Беше.

Сидней Беше був для джазу постаттю нетиповою. Зазвичай, справжній джазовий музикант — це «колективіст», така специфіка джазового мистецтва. А Беше був самотнім мандрівником. Він легко переїжджав з Нового Орлеану у Чікаґо, з Чикаго в Нью-Йорк, з Нью-Йорка до Лондона, з Лондона до Парижа, і потім знову повертався на Новий Орлеан. Він мав однаково, де грати.

Сиднея Беше відрізняло вічне прагнення бути першим; у будь-якій музичної ситуації вона завжди хотів бути, у центрі уваги, і, зазвичай, йому це вдавалося. Навряд чи це могло схилити нього колег-музикантів. Прискіпливий і вимогливий, шалений і життя, й у исскустве, він був однією з найяскравіших виконавців в історії джазу. Дюк Еллінгтон, палко любив Беше, вважав його «самим унікальним людиною в джазі». У своїй оцінці Еллінгтон непоодинокий: вплив Беше на музикантів раннього джазу було огромным.

Однажды в Лондоні він випадково побачив інструмент, у якому йому було грати, — сопрано-саксофон. У 1920;х роках саксофон ще був новинкою і джазмени щойно розпочинали його освоювати. Швидко освоївши його, Беше був першим відомим саксофоністом джазу. Він опановував саксофоні дедалі частіше (періодично повертаючись до гри на кларнеті), та був повністю перейшов до цей полюбився йому інструмент.

Беше повернулося на США на початку двадцятих років, і двоє наступних десятиліття працював у основному тут. У 1929 року він, щоправда, гастролював у Парижі, а 30-х роках — у Німеччині й Росії, але були нетривалі поїздки. У 1949 року він остаточно замешкав у Парижі. Французи, котрі знали музиканта, було його прийнято із радісними обіймами — либонь у жилах Беше текла французька кров. Помер Беше у Франції 1959 року, оточений пошаною і славой.

Трудно переоцінити вплив Беше на джаз. Ніхто було зрівнятися із ним грі на сопрано-саксофоне, та й мало хто намагався копіювати його стиль. Протягом 20-х, 30-х і на початку 40-х багато джазмени відчували у собі його вплив. Джонні Годжес — великий альт-саксофонист оркестру Дюка Еллінгтона і з провідних саксофоністів світу — сформувався як музикант, вивчаючи Беше; судячи у тій, як швидко зростало майстерність Армстронга (1923;1926), він, певне, теж перейняв деякі прийоми джазової фразування свого новоорлеанского колеги. Будучи однією з родоначальників джазу, Беше залишив чудові зразки цієї музыки.

Примерно у те водночас, як і Беше, залишив Новий Орлеан інший музикант, який за силою впливу джаз міг зрівнятися тільки з Беше. Це були з плеяди новоорлеанских королів корнета, звали його Джозеф Олівер. Він був природженим лідером, повної протилежністю Беше.

Оливер був із тих, хто швидко входив у контакт зі своїми професійним окружением. Он добре знав, що як має відігравати оркестр, вмів знайти підхід до кожного музиканту і змусити його виконати намеченное.

В 1922 року Олівер зібрав групу під назвою «King Oliver’s Creole Jazz Band». Крім Олівера, у складі групи входили кларнетист Джонні Доддс, його брат, барабанщик Уоррен «Беби» Додс, тромбоніст Оноре Дютре, піаністка Ліл Хардін і контрабасист Білл Джонсон. По незрозумілим причин Олівер вирішив вводити на оркестр другий корнет. Чи то їй немає хотілося грати самому, чи він втомлювався до кінця вечора, і може бути, просто подобалося поєднання двох корнетів — хіба що не пішли, але запросив на свій групу двадцятидворічного Луї Армстронга. Спочатку група виступала в кабаре «Лінкольн Гарденс», а 1923 року оркестр розпочав записи серії грамплатівок, яким судилося залишити значний слід історії джаза.

Джазовые музиканти багато чим завдячуємо Оліверу, та його слава тривала недовго. У 1928 році в нього розладналися відносини з музикантами оркестру, а 1930 року вона втратила роботи й залишився без коштів для існування. Джозеф «Кінг» Олівер помер злиднях 8 квітня 1938 года.

Но наприкінці кінців життя віддала належне Оліверу. Сьогодні його платівки відомі в весь світ, особливо у Європі, де її не забувають краще, ніж у США. Новоорлеанский стиль, найвизначнішим представником якої був Олівер, ліг основою з так званого традиційного (traditional) джазу, одного із найпопулярніших джазових течій. «King Oliver’s Creole Jazz Band» була першої джазової групою, яка систематично записувалась на платівки. Коли пройшла мода на «Original Dixieland Jazz Band», ті, хто всерйоз цікавилися цієї музикою, зрозуміли, що справжня мистецтво пов’язано саме з оркестром Оливера.

Джелли Ролл Мортон

В світі джазу, де ексцентричність характеру є, а яскрава індивідуальність — неодмінна умова, Фердинанд «Джелли Ролл» Мортон все-таки постать виняткова. Енергійний ділок, власник нічних клубів, антрепренер, марнотратник життя — Джелли заслуговував б уваги, навіть але зіграв за все своє життя жодного такту музики. Він був самолюбив, марнославний, зарозумілий, хвалькуватий, підозрілий, марновірний — а насамперед він був талановитий. Мортон доводив, що він придумав «справжній джаз», і переставав метати громи й блискавки в наслідувачів і тих, кого він вважав нижче себе по музичному обдаруванню.

Около 1923 року, коли Мортон переїхав до Чикаго (де сильно зріс попит на виконавців гарячої музики й у негритянському гетто, й у клубах для білих), він був професійним музикантом класу. На той час належить перша публікація його пісень і оркестрових аранжувань, трохи згодом він почав записуватися на платівки як соло, і з різними ансамблями, очолюваними їм. З 1923 по 1939 рік буде записано близько 175 платівок й безліч роликів для механічного фортепіано. Якщо фортепіанних соло, майже завжди відмінних дуже високий рівень гри, славу Мортону принесли записи 1926;1930 років, зроблені переважно з групою «Jelly Roll Morton and His Red Hot Peppers». Таким чином, Джелли став однією з найвідоміших джазових музикантів минулих років; і сталося це завдяки записів, що у першу чергу вони принесли йому успіх публіки і повагу колег, яким він розраховував. Отже, 1923;го року Мортон разом із Беше і Олівером був у авангарді джаза.

Джелли відрізняло навдивовижу серйозне ставлення до того що, що він записував відносини із своїми оркестрами. Аранжування старанно продумувалися і ретельно репетирувалися. Оркестранти грали точно, їх інтонування було краще, ніж в більшості інших джазових виконавців, чиї записи збереглися. Записи Мортона чудові й у технічному відношенні: вони безперешкодно і із гарним балансом звуку. Музиканти, з якими вважав за краще працювати Джелли, були найбільш винахідливими імпровізаторами, зате відрізнялися добротної фаховою підготовкою; вони грали суто, завжди суворо витримували мелодійну лінію. Тому платівки мали успіх і в найсуворіших шанувальників музики, і в широкої публики.

Но, до жалю, в 1928 року починається Велика Депресія, і грамофонную індустрію вражає криза: в 1932 року загальна кількість проданих платівок впала до 5 мільйонів, що лише 6% за аналогічний показник 1927 року. Мортон, як і Олівер, зненацька опинився старомодним, і від 1929 року, його зірка неухильно стала котитися вниз.

Как би там не було, на початку 1930;х Мортон залишився без роботи, та й здоров’я залишало бажати кращого. Він помер 10 липня 1941 року у Лос-Анджелесі, в останній шлях його, як та Кінґа Олівера, проводжала лише купка музикантів і шанувальників.

Луи Армстронг — перший гений

Конечно ж, характеризуючи цей період джазу, мушу сказати про Луї Армстронге, першому генії в джазі. Якщо слово «геній» і означає б у джазі, воно означає Армстронг, його творчості вище будь-якого аналізу. Рядовий художник лише виявляє існуючі зв’язку; великий ж художник відкриває нові, дивовижні комбінації, показуючи нам можливості гармонійного сполуки, начебто, різнорідних елементів. У житті й у характері пересічного художника можна знайти, звідки ж він черпав свої ідеї; зустрічаючись із генієм, ми найчастіше може зрозуміти, як вона дійшла до такої разючою відкриттям. Відчуття мелодії у Армстронга було винятковим, і навряд хто може пояснити, як зародився у нього ця Божа іскра і що полягала його магічне воздействие.

Армстронг почав на корнеті досить пізно — у років. Не знаючи нот, за якісь кілька місяців він опанував инструментм, що міг очолити групу шкільних музикантів. Чотири роки вона вже був корнетистом в провідному джаз-бэнде Нового Орлеану. Ще за чотири роки було визнаний кращим джазменом свого часу, тоді як йому тоді не було і двадцяти трьох років. До двадцяти восьми років вона вже зробив серію записів, що рішучим чином вплинули в розвитку джазу, а й увійшли до історію американської музики. Звісно, джаз — це мистецтво молодих. Бейдербека розірвано на двадцять вісім років надійшло; Чарлі Паркер помер в тридцять чотири. Усі краще було створено Лестером Янгом до понад тридцять років, а Біллі Голідей — до двадцяти п’яти. І все-таки те що, що Армстронг із двадцяти з гаком років перевершив джазових музикантів свого покоління, говорить про здібностях великих, ніж звичайний талант.

Детство Армстронга, як та інших піонерів джазу, відбулися атмосфері музики — регтаймов, танців, маршів тощо. Звісно, у Луї теперішнього музичного інструмента, але у квартеті йому подібних хлопчиків він співав за гроші тут. Постійна зміна складу квартету змушувала хлопчиків співати партії різних голосів, що, безсумнівно, вплинув подальше становлення Армстронга як музыканта.

В 14 років Армстронг потрапив у колонію для кольорових через те, під Адже вистрілив в повітря з пістолета. Там він потрапив у місцевий оркестр. Невідомо, якій музиці грав той оркестр і знали його маленькі музиканти ноти. Вважається, що Армстронг не вмів читати з аркуша. І коли говорив, що партія альтгорна йому «вдавалася дуже добре», він мав на оці своє вміння вестися слух гармонійну лінію виконуваної мелодії. Важливою особливістю генія Армстронга було тонке відчуття гармонії, у те час як багато джазмени слабко орієнтувалися б у теорії музики. Будь-який професійний музикант напевно міг би зіграти усе те, що зіграв Армстронг в оркестрі «Уэйфс Хоум», вся відмінність лише у цьому, що на той час йому було лише чотирнадцять років і не мав музичного образования.

Через 3 року батько забрав Луї з колонії. Його майстерність музиканта стрімко зростало. Він організував з давніми друзями маленький оркестр, який грав у дешевих в барах і на вечірках. У цей час Армстронг почала з’являтися в кабаре, де виступав оркестр під керівництвом Кида Орі, у складі грав корнет Джо Олівер. Подібно іншим музикантам старшого покоління, Олівер перейнявся розташуванням до Армстронгу і навчив його деяким професійним прийомів. Реальним результатом їх спілкування було те, що раз у раз Олівер посилав Армстронга грати замість себе у оркестрі Орі. Коли ж Олівер в 1918 року північ, у Чікаґо, Орі взяв Армстронга його місце. Джаз-оркестр Орі вважалася однією з найкращих у Новому Орлеані, й свої вісімнадцять років Армстронг став у ньому провідним корнетистом.

В початку 1924 року Армстронг одружився з Ліліан Хардін, піаністці з оркестру Олівера. В неї було класичне музичну освіту, але у джазі вона домоглася успіхів, хоч і зналася на ньому досить добре. Ліліан вирішила зі свого чоловіка зірку джазу. Вона допомогла йому освоїти читання нот з аркуша, переконала залишити оркестр Олівера і стати працювати у кафе «дримленд». Приблизно водночас Флетчер Хендерсон запропонував Армстронгу роботу у своєму оркестрі. У 1924 року оркестр Хендерсона ні джазовим у сенсі цього терміну, скоріш він був комерційним: грав під час танців і шоу, акомпанував співакам під час записи. Хендерсон, найбільший історія джазу першовідкривач талантів, хотів мати у своєму оркестрі соліста, який міг би зіграти яскраво і ефектно — що дуже подобалося слухачам на той час. Армстронг прийняв запрошення і з оркестром протягом року. Він записав з нею ряд сольних партій, серед яких придбала запис «Sugar Foot Stomp». Будучи з Хендерсоном у Нью-Йорку, Армстронг зробив ряд грамзаписів на власний страх і ризик: акомпанував співакам блюзів, записувався з групами Кларенса Вільямса, зокрема з групою «Red Onion Jazz Babies», де грає Сідней Беше.

12 листопада 1925 року у студії «Okeh» Армстронг зробив першу запис із серії грамплатівок, відомої за назвою «Hot Five» і «Hot Seven». Ці записи, які є важливими віхами історія джазу, викликали невимовний захват музикантів і любителів в Сполучені Штати у Європі і змінили саме напрям розвитку цього виду мистецтва. У 1925;1928 роках платівки «Hot Five» і «Hot Seven» було записано зі випадковими складами. У ті самі роки Армстронг вирішив відмовитися від корнетом і перейти на трубу. Різниця між тими інструментами незначна; порівняно з трубою корнет дає понад м’який, але часто недосить яскравий тон.

В 1929 року Армстронг переїхав з Чикаго до НьюЙорка. У сімнадцять років він мав бути головним солістом великого оркестру. Тепер вона вже не була просто джазменом з Нового Орлеану, а провідним представником нового виду мистецтва, добре знаним громадським і шанованим в усьому світі. Відтепер його життя було повністю віддано джазу. Як і кожен популярний музикант, він гастролює. Його енергія вражала всіх, хто знав. У час депресії, коли багатьом музикантам важко було знайти хоч якусь роботу, Армстронг міг мати — й мав — контракти реагував на виступи 365 разів у году.

За двадцять років (після першого запису серії «Hot Five») він зіграв неймовірно багато джазових п'єс. Більшість оркестрів, із якими виступав, становило лише фон для гри спів, і найчастіше, окрім неї, в оркестрі був іншого скільки-небудь помітного соліста. Зазвичай трубач може виконати за вечір одне-два великих соло, Армстронг ж виступав практично щономера. Його щелепи, висловлюючись музичним мовою, стали «залізними». Крім суто фізичної витривалості, настільки часте сольне виконання перед публікою дозволяло йому зростати у плані: міг експериментувати, міг ризикувати. Втім, невдачі або не мали значення, позаяк у наступному номері він міг зіграти інакше. Виконання складних технічних прийомів, опанувати якими так прагнули інші музиканти, став Армстронга природним, оскільки він багаторазово повторював перед публікою.

В 1933 року, розчарований і втомлений, Армстронг пішов у тривалу гастрольну поїздку в Європі. Палкий прийом, влаштований то різних країни, надав нею сприятливий вплив. Це і з записів, що він відновив в 1935 року. Приблизно водночас він доручив вести свої справи Джо Глейзеру, у минулому антепренеру і власнику нічного клубу. Армстронг колись працював із ним Чикаго. На цього разу вибір завершився перемогою. Глейзер залишив власні справи і безпосередньо зайнявся кар'єрою Армстронга, самостійно приймаючи рішення з великим і дрібним питанням. Луї радів передоручити йому це — що тепер своє короткий час він міг віддавати музиці. Період із 1935 року по початку іракської війни був дуже плідним для Армстронга: він зробив чимало записів, знявся за десятки фільмів, разбогател.

Эпоха биг-бэндов тривала до 1946 року, коли ера свінгу стрімко обірвалася. Армстронг повернувся до невеликим п'єсам типу диксиленд, став значно більше співати. Тепер він був популярний як співак. Після 1950 року Армстронг-трубач навряд чи можна було сказати світу щось нове: вона вже сказав все. Не варто днів своїх (він помер 6 липня 1971 року) Армстронг продовжував виступати перед публикой.

Несомненно, Армстронг був однією з найбільших джазових музикантів, яких знав світло. Не слід забувати, що він зріс серед, де вміння будувати відносини з білими було непросто питанням дипломатії. Від цього залежало, був він ситий, чи мала він притулок над головою, нарешті, це було питання життя і смерть. Армстронг любив згадувати слова знайомого новоорлеанского викидайла, сказані йому, що він їхав на Північ, до Оліверу: «Завжди май у себе білої людини, який зможе покласти руку тобі на плече і як сказати: це як мій чорномазий». Цим і пояснюється й те, що Армстронг майже зовсім передав свої справи в самісінький руки Джо Глейзера. Не дивно, що більшість житті прагнув подобатися іншим. Також не дивно, що він чимало разів видумував собі «батьків»: Пітера Девіса як у дитячій колонії для кольорових, Кінга Олівера і, нарешті, Джо Глейзера. Якби Армстронгу зірвалася заручитися підтримкою них, йому, можливо, все життя довелося б розвозити вугілля за ціною вулицями Нового Орлеану, а джаз розвивався в іншому руслі. Заслуга Армстронга у тому, що вони перетворили джаз з колективної музики мистецтво сольній гри. Відомі солісти з’являлися до нього — кларнетисты Лоренцо Тво і Альфонс Піку, корнетисты Болден, Кеппард та інші, — але давайте тоді соло була лише випадковим елементом у виконанні ансамблю. Феномен Армстронга зробив переворот. Молоді музиканти ясно бачили, що тільки головний соліст, а чи не просто рядовий учасник ансамблю мав шанс стати знаменитим, прославитися і, якщо поталанить, розбагатіти. Хай не було, саме Армстронгу джаз став передусім мистецтвом солістів.

Итак, взаємодія негритянської й європейської традицій, у результаті якого виник джаз, була настільки складним; і різноманітним, що є сенс повторити вищесказане. До 1890 року у США існувало три самостійних і несхожих друг на друга сплаву африканської й європейської музики: регтайм, афроамериканский фольклор (поданий у вигляді блюзів) і популяризований варіант музичного фольклору, створений переважно білими американцями (менестрельные пісні, різного роду водевільні пісенні форми). У 1890−1910 роках три вищезгаданих напрями злилися воєдино. У результаті виникло джаз — нового вигляду музики, що стали поширюватися всій країні спочатку серед негрів, та був серед білих американців. У 1920;х роках джаз міцно ввійшов у свідомість американської пудлики і дав назву цілому десятиріччю у житті нації. У розвитку джазу великій ролі зіграли: ансамбль «Original Dixieland Jazz Band», який перший випустив джазову грамплатівку, мала більшої популярності; Сідней Беше, Джозеф «Кінг» Олівер, Джелли Ролл Мортон, Бікс Бейдербек, Френк Тешемахер, Пі Ві Рассел, Бенни Гудман, звісно ж, Луї Армстронг, котра внесла, на мою думку, найбільший внесок.

Развитие рок-музыки

Рок це просто музичне напрям, це молодіжна культура, засіб спілкування молоді, дзеркало суспільства. Він спочатку створювався як засіб самовираження молоді, бунт і протест, заперечення і перегляд моральних і матеріальних цінностей мира.

На протязі усім своїм історії, рок показує нерозв’язну вічну диллему батьків та дітей. Як засіб самовираження покоління, рок у власних очах старшого покоління виглядає лише як дитяче розвага, часом небезпечніше і згубне. Хоча рок існує досить давно, у ньому виросло сегоднешнее доросле покоління, але все-таки проти нього сьогодні стають ті самі проблеми, як і спочатку його від шляху: нерозуміння і відкидання. Ця обставина добре показує спиралевидность розвитку: який ми не розвивалися, ми проходимо етапи, у яких залишилися у истории.

Безусловно, розвиток року був із технічним, економічним, політичним і соціальним розвитком. Чи не з волі випадку законодавцями року стали найбільш розвинених країн. Саме технічне розвиток дає поштовхи розвитку року, апаратура постійно змінюється і ускладнює, гітара 40-х років справляє враження сьогоднішню гітару лише мабуть лише формою, а звучання взагалі змінилося корені (яких тільки ефектів не приєднується сьогодні до гітарі, цілком змінюючи його звук; до всього ще з’явилася музика, повністю исполняющаяся електронної апаратурою). Розвиток техніки призвело і до того що, що зараз майже кожній родині є радіоприймач і магнітофон, що підвищує вплив музики на суспільство. економічний розвиток піднімає рівень розвитку громадян, отже підвищує їхню освіченість і з’являється більше вільного часу, що можна присвятити музиці, також це покращує дихання й умови праці та забезпечення роботою музикантів. Яскравий приклад тому — бразильська група «Sepultura», перебуваючи батьківщині, і які мають хорошою апаратури, їх музика була малоцікава, але тільки вони переїхали до США вони відразу ж потрапляє набули гіпертрофованого статусу супергруппы.

Рок — пладотворная підґрунтя розгляду з погляду філософії, у ньому виявляються всі закони філософії. Те, що рок це протест молоді та поява нової музики, шляхом заперечення старої, проявляється закон заперечення заперечення, що складає розвиток рок-музики. У появу нового стилю шляхом злиття інших стилів — закон отрадения, лежить у основі розвитку свідомості. У суперечливості року (протистояння поп-року важкою музики) проявляється закон єдності і противоположностей.

Корни року можна шукати у далекій древнисти: й у народну музику, й у джазі, й у блюзі, але поистинне лиха доля стала цим, що ми розуміємо зараз, лише 50-х годах.

Рок 50-х.

Рок-н-ролл виявився цим засобом, яке объеденило чорних і «білих підлітків, одним потужним залпом сміливо расові і соціальні забобони. Два чорношкірих ідола молоді 50-х — Литтл Річард і Чак Беррі - кожним сценічним жестом, кожним звуком своїх пісень висловлювали откаэ коритися традиційно расистського: «Іди сюди, бій». Цей відмова безумовно приймали слушавшие їх білі хлопчики — вони вже були підготовлені такий музиці, вони вже всотували у собі чорний ритм-енд-блюз, який крутили на місцевих радіостанціях. Ця музика була загальній таємницею, їх змовою проти батьків, не признававших цветных.

Рок-н-ролл виявився першої музичної формою, запропонованої підліткові і приймальня спеціально у ній скроєну: доти були дорослі платівки, дитячі платівки, але були нічого, що виражало суто підліткові і надії мрії, суто підліткове ставлення відповідає дійсності. Цю тягу підлітків до «інший» музиці першими помітили власники невеликих студій грамзапису, мобільніші у виборі і схильні до ризику, ніж фирмы-гиганты. Позаяк частина з невеликих кампаній, де записувалися чорні виконавці ритм-энд-блюза, пробавлялися ще та білим кантри-энд-ветерном (і навпаки), то цих напрямів стали зближуватися. Нове покоління буде охоче прийняло це зближення. «Розтління смаків», «музичний ширвжиток», «потурання ницих інстинктам», — ремствували музичні критики (в чомусь, безумовно, мали рацію, оскільки, крім істинних зірок, тодішньої хвилею винесли на поверхню й багато мусора).

В початку того десятиліття чорна і біла музика було поділено як і, як біла і чорна громади. Але йшло час, й радіо, по якому — також різних хвилях — передавали неї, дозволяло чорним слухати білу музику і на навпаки. Радіохвилі приносили цілком нову стилістику, і безкорисливі піонери цієї стилістики почали потроху схрещувати ці дві культури. У лабораторіях життя народжувалася нова, дика, заразна музика під назвою рок-н-ролл.

Рок 60-х.

Рок-н-ролл розірвав мирне протягом 50-х, з гиканням і свистом пронісся по мирної гладіні эйзенхауэрской ери. Але до початку 60-х дух нього був укращен, і з хвилях радіоефіру попливли солодкі голоси Фрэнки Авалона і Пола Анкі, Конні Френсіс і Митча Міллера (останній неодноразово заявляв про своє ненависть до рок-н-роллу); музичні оглядачі почали заспокоюватися: схоже в музику поверталися і порядок. І все-таки кілька років рок ожив, а наприкінці десятиліття перетворився на міцну політичну і культурну силу.

К початку 60-х до повноліттю наблизилося наступне покоління. Батьки дітей активно виборювали світ, спокій достаток, сподіваючись, що нащадки як оцінять їхні намагання, а й розсунуто горизонти цієї нової світу. Батьки, проте, увійшли до нього із вантажем невиплачених боргів — вони принесли з собою страх перед атомної війною, і гріх расової ненависті, а ідеали рівності та справедливості яких просто розтоптали у гонитві за стабільністю і успіхом. Не дивно, що взяли під сумнів моральні риси і політичні підвалини повоєнного світу; нові настрої відбито у їх музичних пристрастиях.

Загнанный було у підпіллі, знову бурхливо розцвів фолк і відразу включився у антивоєнне рух й у соціальну боротьбу. Незабаром фолк знайшов і свою надію — в худенькому, злегка гнусавом хлопчаку під назвою Боб Ділан. Саме його голос вперше висловив й надії піднімаючого голову неспокійного покоління.

Песни Ділана про расовому пригніченні й загрози ядерного знищення відразу ж потрапляє перетворилися на гімни, а пісня «Часи — вони змінюються» пролунала першим попередження про зростання суспільну напруженість. Проте за всієї прихильності найсвітлішим ідеалам фолк залишався все-таки музикою минулого, засобом спілкування політизованій інтелігенції, із неприхованою іронією взиравшей на дитяче розвага — рок-н-рол. Нове покоління буде не мало ще свою власну, унікального голоса.

Возрождение рок-н-ролу почалося, багатьом на подив, у місті, далекому від навіть досить провінційному — Ліверпулі. Коли Брайн Эпстайн, управляючий місцевим музичним магазином, зайшов якось потрапив у підвальчик під назвою «Каверна», почув в музиці господаря там ансамблю як відзвуки тутешнього захоплення заводним життєвим ритмом Америки. У «Бітлз» вирувала лиха відвага британца-аутсайдера, жаждующего схопити таки усе те, що він досі був лишен.

Подчистив ранню битловскую неохайність, Эпстайн-менеджер залишив в вихованців цей бойової дух. 9 лютого 1964 року «Бітлз» постали перед 70 мільйонами американських телеглядачів. Це було історичну подію. Воно наштовхнуло містки поміж країнами й стилями, вона ж створило нові межі - між епохами і поколениями.

Боб Ділан все гостріше відчував обмеженість своєї аудиторії, вузькість стилістичних рамок жанру. І Боб Ділан запропонував своєї старої пастві коротку програму абсолютно новій, «електричної» музики. Почувши гітарні завивання, фолк-пуристы завили у відповідь, а нової музики Ділана вже вливалася живлющої струменем в рок. «Бітлз» і Ділан затрясли все підставу молодіжної культури, змінили звучання року і спрямування його розвитку, відкрили принципи, що є основними і сегодня.

Дилан политизировал «Бітлз»: саме його примусив їх бути побачити в популярності привид уточнення цивільних позицій, і навіть ідеальну можливість оприлюднити власну думку про події, які хвилюють всіх. Зв’язка «Битлз"-Дилан стала двигуном року 60-х. Та все ж навіть вона вичерпувала собою весь розмах молодіжного движения.

Навстречу їм із Мемфіса вихлюпнувся потік різкого, «брудного» соула. Десятиліття рухалася до своєї кульмінації, наростав розпал расових сутичок, і музика душа — разом з цими гігантами джазу, як Майлз Девіс, Джон Колтрейн, Чарльз Мингус чи Ерік Дольфи, — вийшла авангард цієї боротьби; горда міць негритяесного самосвідомості втілилась у нею повною мірою. Чорна поп-музика зробила такі всі заяви про расовому звільнення, про які ще десять тому страшно був і подумати. Але, то, можливо, головною перемогою на той час стало злиття двох культур: білої та чорної. Це був яскравий, святковий, злегка навіжений союз, котрій, здавалося, не залишилося неможливого. У музиці втілилася мрія про єднанні і рівність, гармонії і терпимости.

Во другий половині десятиліття на рок обрушилися біди: «Бітлз» оголосили про остаточному припинення концертну діяльність, в 1966 року Боб Ділан потрапив у автокатастрофу і цілий рік було виключений зі творчого процесу, в 1967 року за зберігання наркотиків заарештували Мік Джаггер, Кейт Ричардс, Брайн Джонс — члени групи «Роллінг Стоунз».

Но натомість у сан-францисском районі Хейт-Эшбери початок оживати щось утопічне: тут, на фундаменті релігійної еклектики, виростала своєрідна рок-коммуна. Расцветавшую ідею Всесвітньої Любові проголосили знов-таки «Бітлз», після майже річного мовчання выпустившие «Клуб самотніх сердець сержанта Пеппера». Психоделическую і авангардну естетику, якої було проникнуть альбом, винайшли, зрозуміло не вони — тільки виділили в чистому вигляді квінтесенцію всього, чого прагнули інші, а врезультате — знову безпомилково висловили яке стало власником молодим світом прагнення до незалежності, до власним цінностям і ідеалам. «Сержант Пеппер» визначив суть нової музичної ери, він довів, що лиха доля стала мистецтвом, а мистецтво, своєю чергою, — основний формою спілкування мас; він нарешті впровадив у нескінченно бунтарський, неспокійний рок мрію про кохання та духовному единстве.

Но рок над силах був утриматися цієї вищої своєї точці. На момент, коли ідеї «Бітлз» вихлюпнулися на вулиці, Хейт-Эшбери вже на велетенський кубло, у якому правили бродяги, злодії і лжепророки так кокаїн з героїном. У такому суспільстві визрівало протидія рок-культурі. Настав час газетної паніки й віковий дискриминации.

В січні 1968 року Ділан випустив «Джон Уеслі Хардинг» — альбом, начебто всі ще що досліджує здоров’я нації, розпаду зсередини, але вже настав геть-чисто позбавлений фарб та вызывающе-дерзкий у своїй акустичкской простоті. Альбом призвів до повного перегляду рок-н-рольних цінностей. Знову спалахнув інтерес до блюзовым гітаристам, хіт-парадах зазвучали госпелз, визнано групи акустичного звучання, якось по-новому почали лояльніше ставитися навіть до виконавців кантри-энд-вестерна.

Рок 70-х.

Рок-н-ролл, а пізніше так званий «авангард» відповідали за часом бунтів, приголомшливим основи суспільства. Ален Дистер, яка написала книжку «Англійський рок»: «рок, вторгшийся у життя суспільства, діє глибинно. Про нього судять з його поверховим, зовнішнім проявам, одягу, і з бажанням недобачають, що приховано для цього розфарбованим фасадом: поставлені під традиційні цінності, такі як армія, політика, релігія, і з’явилася новий погляд на взаємовідносини для людей … рокце спілкування. Він — звуковий фон поява цілого покоління, отождествляющего себе з ним».

В початку 70-х спостерігається криза рок-сцени. рок перетворився на крамницю в крамницю екзотичних товарів з вітриною на повну стіну. рок стає дедалі комерційної музикою, відбувається повний відхід духовних коренів року, який народився і для бунта.

Новое покоління, зайшле змінюють поколінню 60-х, вимагало свого, власного самовираження, спростовує сучасного становища вещей.

К середині 70-х назріла потреба у появі чогось нового — бунтующего і протестуючого. Цим чимось став панк.

Первые панк-рокеры волаючи «неї може грати кожен!» повыскакивали в Англії в 1975 року. Починали де вони на порожньому місці: основи жанру розробили американцями, стиль життя — групою «Нью-Йорк доллз», манери гри — групою «Рамонес», загальний настрій — Іггі Попом, а поведінка на сцені - Лу Ридом (той всю першій половині 70-х займався тим, що репетував на публіку, ображав її й щохвилини ішов зі сцени). Панк-рок мужнів, але вилізти з підвалів і маленькі клубів їй немає вдавалося — вождя недостовало.

Историческое подія сталося 10 жовтня 1976 року: Террі Слейтер з фірми EMI зайшов у лондонський бар «Клуб 100». У барі виступала група «Sex Pistols», Террі Слейтер представив, як може виглядати перед великий аудиторією, і навіть запропонував контракт. На той час група існувала рік, і почав її кар'єри було багатообіцяючим: під час виступи у лондонському коледжі Св. Мартіна директор шляхетного навчального закладу просто вирубав електрику. На момент підписання контракту «Sex Pistols» були дуже відомі у вузьких кругах.

Уже через 2 місяці представники EMI заявили, що контракт був жахливою помилкою: «Sex Pistols» у першому ж, моментально який став класикою жанру, сингле «Анархія в З'єднаному Королівстві» примудрилися образити релігійні почуття громадян. Пізніше, у телешоу «Today» вокаліст Джонні Роттен видав съязвившему з його приводу провідному такий набір лайок, що, як писала газета «Daily Mirror», у домі однієї з глядачів вибухнув телевізор. Контракт був расторгнут.

Следующей компанією, погодилася працювати з «Sex Pistols», була A-and-M. Музиканти записали другий сингл «Боже, бережи королеву», і восьмий день сотруднечества комерційний директор компанії зміг вичавити з себе лише 2 слова: «Я передумав». Сингл вдалося прилаштувати тільки в травні 77-го, і відразу ж став хітом N1. Молодняк стогнав в захваті - панк-рок став модой.

Скандалы, пов’язані з панками, можна було в будь-якій газеті. Те група громадян побила надворі Кида Ріда із групи «Boys», то басист «Sex Pistols» Сід Вишез розбив гітарою голову музичному критику, то кілька днів надворі побили вже вокаліста групи Джонні Роттена.

В Англії, схоже, не залишилося жодної команди, не устоявшей перед спокусами року-панка-долі - всі - від суто комерційних, до безумовно талановитих приліпили перед назвою приставку «панк». Про панках знімали фільми, про неї писали книжки, вони ставали темою дисертацій. Критики змагалися в дотепності, і, як і раніше панки давали їм при цьому привід. Проте просунута у носа англійська шпилька стала символом десятилетия.

Прежде всього приваблювало те, що панк був диким, злим, проте свіжим вітром. Здавалося, вже всі перепробувано, в музики лише повторення пройденого, і панки захоплювали як той буйний, скандальний, але чесний свято минаючого рок-н-ролла.

По суті весь панк виявився стилем однієї групи. «Sex Pistols» принесли йому популярність, вони ж вичерпали всі можливості. Друга велика панк-группа «Клеш» — належить до цього стилю лише з зовнішнім виглядом. Джо Страммер, лідер «Клеш», народився сім'ї дипломата, відвідував приватну школу і Королівський музичний коледж, так що гени взяли своє: пісні «Клеш» дуже добре аранжовані, в записах учавствуют студійні музиканти, повністю відсутня яка прославила «Sex Pistols» глузування, і, нарешті, «Клеш» обожнюють лізти в политику.

Третий «кит» панку — група «Сиуз енд зэ Баншиз» — до панкам мають ще менше відносини, ніж «Клеш». З початку у неї своєрідним філією «Sex Pistols» по розробці найменш буйних проектів, але прославилася тим, що першою стала використовувати то таємниче і похмуре — до зловешего — звучання, яке принесло славу багатьом — від «Кьюэ» до «Депеш Мод». Для багатьох ж панк був взагалі просто стилем життя, а чи не музичним направлением.

С розпадом «Sex Pistols» розвалився і панк — кожен кроїв потім із нього щось своє. Одні, як «Хоулі Мозес», довели його різкість вкрай — і вийшов треш. Інші, навпаки, різкість прибрали, як «U2», і вийшов пост-панк, треті просто постриглися по-модному вставити у носа шпильку — народилася «нова волна».

Конечно, 70-ті примітні як панком, тим паче, що рок почав так розгалужуватись в її розвитку, що встежити усі його етапи досить проблемно. Однією з досягнень 70-х є хард-року. Як самостійне напрям хард-рок виділився наприкінці 1960;х років, і тому, що у закінченому вигляді його доніс слухачеві видатний гітарист Джиммі Гендрікс, хард-рок відтоді передбачає виконання віртуозними інструменталістами, що пішло це і музиці, і його шанувальникам.

Хард-рок, так само як й у свого часу рок-н-рол, був різкий і агресивний, та на відміну від панку вона передбачає добре володіння інструментами, у ньому агресивність присутвует не як тупа озлобленість попри всі і весь, бо як висловлювання відрази до темним сторонам людини. Природно, хард-рок ні абсолютно новим, лише увібрав у собі найяскравіші і автентичні русальні риси інших напрямів, в хард-роке можна побачити і класичну музику, і чорний блюз, і рок-н-рол, разом з цим хард-рок привніс у музику безліч нововведень. Виконавці хард-року в текстах пісень стали вивчати темні куточки людської душі, піднімати філософські тематики, відбивати окультні знання, розглядати християнство і сатанізм. Хард-рок був першим музичним напрямом, використовує важке звучання, яке досягається з допомогою підключення до гітарі такого ефекту, як Distortion, і завдяки виділення ритм-секции.

У витоків хард-року стояли такі всесвітньо відомі групи, як «Deep Purple», «Black Sabbath» і «Led Zeppelin».

Группа «Led zeppelin» утворилася 1968;го р. в Великобританії. Після розвалу відомої англійської групи «Yardbirds «її гітарист Дж. Пейдж збирає нову групу, щоб здійснити гастролі, заплановані за контрактом «Yardbirds ». До складу групи ввійшов Пол Джонс, котрий грав з Пейджем до цього, і навіть що з «Роллінг Стоунз «і, взагалі, мав солідне минуле. За назвою «New Yardbirds «музиканти провели гастролі по Швеції та Фінляндії. Пізніше менеджер групи Пітер Грант запропонував назва «Led zeppelin «(викривлене від «lead », тобто. «покритий свинцем »). Грант зумів одержати вигідний контракт, і наприкінці 1968 р. група випустила перший альбом, записаний на добу з гаком. Вже у лютому 1969 р. «Led zeppelin «провели гастролі по США, у цей самий час їхнього диск потрапив у «Топ 10 », потім став «золотим ». Другий альбом через 2 місяці після виходу досяг перше місце і майже отримав «платину «(з того часу кожен диск групи ставав «платиновим »). «Led zeppelin «сповідували блюзовую манеру гри. Проте Дж. Пейдж привніс у класичний блюз свій власний розуміння цієї музики, її почуття гітари було воістину унікальним (що вже казати техніку гри), старанно вимальовував кожен звук. Найпотужніша ритм-екция і унікальне як на білого співака негритянський тембр голоси Р. Планта зробили подрожание «Led zeppelin «неможливим. Імпровізація, де грунтувалося творчість «Led zeppelin «була і свою зворотний бік: композиції були, зазвичай, довгими і радіостанції відмовлялися їх транслювати. У 1975 р. група випустила подвійний альбом «Physical Graffiti », композиції якого значно випередили свого часу, і вони свого роду орієнтиром, для груп, котрі відвідують зміну «Led zeppelin » .

Поистине гігантами хард-року стали «Deep Purple». Їх історія почалася 1968 року, коли британська рок-сцена являла собою дуже цікаву картину. Відходила в минуле «влада квітів «- вершина руху хіпі. Різною музики було дуже багато, хіт-парадах сусідили інструментальні п'єси Х. Монтенегро, «Бітлз », Луїс Армстронг, Естер і Аби Офарим. Сфера рок-музики розширювалася. Залучення джазових чи симфонічних елементів існувало навіть у новинку, але вже викликало подиву. рок ще встиг, як нині, рассечься з різних віковим, соціальним, культурним верствам, коли кожний робитиме свою справу. Взаємовплив було досить сильним. Вже у лютому 1968 року три англійських музиканта вирішили нову групу. Це був Джон Лорд, Ян Пейс і Рітчі Блэкмор. Усі троє були досить відомі у світі англійського року. Барабанщик Ян Пейс, якому виповнилося 20 років, вже початку 1960;х років грався із різними колективами. Джон Лорд, органіст, довго чекати і серйозно вивчав классичечкую музику, пробував свої сили у театрі, потім захопився джазом, багато грався із рок-ансамблями, намагаючись знайти шляху й способи поєднання своїх захоплень класикою і естрадою. Лорд, Пейс і Блэкмор запросили басовита Ніка Семилера і гітариста Рода Инанса і записали свій «перший сингл «Тихіше ». Платівка увійшла влітку цього року до першої п’ятірки США. Незабаром, у американських хіт-парадах з’явився перший диск — гігант групи «Deep Purple «- «The shades of Deep Purple ». Наступна платівка «The Book of Taliesyn «приваблює експериментами Лорда у сфері зближення року і класики. Невдовзі склалася парадоксальна ситуація — платівки «Deep Purple «поподали в американські хітпаради, а й у себе батьківщині, в Англії, група була практично невідома. «Deep Purple «вирішили зробити щось себе вдома. Для початку вони замінили Иванса і Симплера Яном Гилланом і Роджером Гловером. Гіллан був відомий як як вокаліст, а й як, автор пісень, а й за плечима Гловера був багаторічний досвід гри акторів-професіоналів у різних ансамблях. У цьому складі «Deep Purple «і Королівський філармонічний оркестр (диригент — Малькольм Арнольд) виконали концерт, написаний Джоном лордом в 1969 року. «Концерт «Лорда стала рідкісним випадком, коли спроба сполуки року і «академічної «музики була однаково захоплено зустрінута шанувальниками і тією і іншої музики. «Жива «запис з Альберт-холла було випущено на платівці. До речі, «Концерт «не була єдиною такою досвідом Лорда. Поворотним моментом історія «Deep Purple «послужила платівка «Deep Purple in Rock ». Диск вийшов влітку 1970 року, майже разом з сорокопяткой «Black Night », ознаменувавши новий етап у творчості групи. Хэви метав тоді ще не з’явився. Для мільйонів слухачів «хрещеним батьком «жанру — а то й суворо хронологічно, то духовно — став ансамбль «Deep Purple «У почерку колективу з’явилося усе, що потім використовували інші металеві групи — гучність, як естетична складова, прості риффы-гитары і бас-гітари, часто играемые унісонно, характерний вокал, потужний мотор ударних. Що відрізняє «Deep Purple «від своїх послідовників, то це готовність постійно вбирати нове, що виникає за іншими жанрах, відкритість іншим музичним впливам. Ні «Deep Purple », ні «Led zeppelin », ні «Black Sabbath» також котрі стоять при ідейних витоків хэви метав замкнутістю не відрізнялися. Можливо, саме тому багато речей їх музиці цікаво й сьогодні.

В середині 70-х починається зарождатся новий стиль рок-музики — хэви метав. Логічно він продовжує ідеї хард-року, виокремивши з-поміж музики хард-роковых груп виключно потужні гітарні рифи, доведені до віртуозності соло і канонадные ударні. Поштовхом до появи хэви-метал послужило творчість групи «Black Sabbath». «Black Sabbath», на відміну інших хард-роковых груп досягли тяжчого звучання. Повністю було вилучено клавішні, зникли фольклорні наспіви, ніяких любовних пісеньок, ніякої орієнтації на шлягери, здатні ввійти у хіт-паради. Жахи і окультна тематика пісень стали візиткою «Black Sabbath », котрі почали несподівано дуже популярними серед студентської молоді. Насправді сверхужасного у тому піснях не було — тексти пісень більше нагадували казки для дорослих. Але хэви-метал, як такої де вони грали, а грати почали такі групи, як «Judas Priest», «Iron Maiden», «Magnum». У другій половині 1970;х років вся молодь була захоплена панком. Панки перешкоджали проходу на Майдані сцену, не міг виступати, і коли ти не лаєшся на сцені й вмієш володіти інструментом. Тому у другій половині 70-х хэви-метал не знаходив великий популярності, а розцвів він лише першій половині 80-х, рухом хэви-метал була охоплена вся молодежь.

Группа «Judas Priest» утворилася в усі тієї ж нев’янучою Великобританії на 1969 року. Два дебютних альбому, що у 1974 і 1976 роках, особливим успіхом у публіки не користувалися, хоча у роботах був представлений цікавий музичний матеріал. Попри постійну зміну барабанщиків (це хронічне захворювання групи), до 1977 року «Judas Priest «набрали такої популярності у Англії, але й її межами. У 1977 року група випустила свій «перший комерційно вдалий альбом «Sin after Sin », продюсером якого було Роджер Гловер (екс- «Deep Purple »). 1978 рік пройшов безупинної боротьби з що захльоснула британську сцену «нової хвилею »: два наступних альбому стали квінтесенцією хэви-метала і потім послужили моделлю для такі групи, як «Деф Леппард «і «Вайт Лайон ». Критики всіляко знущалися над групою (як правило об'єктом кепкування служили прямолінійні тексти це без будь-якого натяку на гумор), але у молодіжної аудиторії, з її захопленням «нової хвилею англійського металу », «Judas Priest «стали кумирами. Це знайшло підтвердження 1979 року, коли сингл «Take on the World «посів англійському хіт-параді 14-ое місце. З появою нового барабанщика, група записала диск «British Steel «(1980), який ознаменував зміна стилістики групи. Тільки після виходу цього альбому критики нарешті «визнали » «Judas Priest », популярність якого поширилася і США.

Группа «Iron Maiden », одне із грандів хэви-метала, саме він зробила хэви-метал популярним як серед молоді рухом. Група утворилася в 1977 року у Великобританії. Поряд із певними іншими групами «Iron Maiden «являла собою так звану «нову хвилю англійського хэви-метала ». Узявши за модель звучання такі групи початку 1970;х, як «Led zeppelin «і «Black Sabbath », «Iron Maiden «швидко знайшла свою музичну стилістику, що стала, в своє чергу орієнтиром й інших груп. Известнасть Батьківщині прийшла б у 1979 року, коли композиція «Running Free «потрапила до «гарячу тридцятку ». У той самий час група виступило з концертної програмою у передачі «Top of the Pops », ставши другою — після «The Who «групою, яка удостоїлася цієї честі в 1973 року. У тому 1980 року «Iron Maiden «вирушила на концерти Англією, як група, супроводить виступи «Judas Priest ». Альбом групи був у 4-ом місці хіт-парадах. Невдовзі «Iron Maiden «початку гастролювати самостійно. Диск «Killers », випущений 1981 року, приніс групі між народну популярність; майже цілий рік група інтенсивно гастролиролировала у світі. У тому ж році у складі з’явився вокаліст Брюс Диккенсон, разом із котрим «Iron Maiden «запрацювала статус «супергруппы ». Чудові рецензії отримав альбом «Сьомий син сьомого сина «(1988). За підсумками 1989 року «Iron Maiden «визнана личшей групою року (журнал «Metal Hammer »), а Диккенсон — найкращим вокалистом.

Также уваги заслуговує німецька група «Helloween», яка зробила великий внесок у хэви метав. Її відмітною рисою є, те щоб протязі усього свого творчості намагається поєднати дві музичних напрями — хэви метав і класику. Недарма багато музичні критики охрестили її музику як «вагнерівський метав». Пізніше «Helloween» виробляє ще одне злиття стилів, у її музиці з’являється народні слов’янські напевы.

Да, хэви метав став воістину якимось міксером, вобравшим у собі музику різних та напрямів і класику, і народну музику і на рок-н-рол, але у основі лише колишньому лежить безсмертний негритянський блюз. Цікавий факт, що коли і вокаліста «Iron Maiden» Диккенсона запитали, як вона дійшла в метав він вигукнув: «А «метал «взагалі? — Був блюз, блюз і знову залишився, тільки він змінився. Це для мене не стиль і жанр, це й музика, і що цього музики я прийшов у рок. «.

Рок 80-х.

Распад «Sex Pistols», а з їх занепадом та занепад року-панка-долі позначили кінець тривала більше двадцяти років ери Класичного рок-н-ролу. Далі починалася нова ера.

В різних куточках Великобританії кілька молоді організовували свої групи. У північному Ньюкаслі Гордон Самнер, знайшовши, нарешті, однодумців, об'єднався із нею у групу «Police». У небагатого Гордона був лише один светр в чорно-жовту смужку, нього якраз і отримав прізвисько «Жало» — Стінг. У Дубліні приступили до репитициям «U2». У Лондоні одночасно починали дві групи — «Кьюэ» і «Depeshe Mode «.

Все вони були тоді молоді, жадібні до роботи, й вони були майбутніми — майбутніми зірками, героями майбутніх скандалів, авторами майбутніх платівок. До 1978 року юні англійці стомлено опустили різнобарвні голови, ось і світ Божий тут вийшли всі ті, хто, співіснуючи з панк-роком, панками не являлись.

Музыку, який прийшов змінюють, назвали пост-панком, хоча було б пост-роком. Зросла десь всередині року, вона немає від негритянських ритм-энд-блюзов, а швидше від білої класики. Осліплена фатальністю аудиторія не помітила підміни, і у 80-ті пост-панк під псевдонімом «нову хвилю» тріумфально попростував в Європі. І чому лише у Європі прижився.

Одним із перших цілком пост-панковских колективів стала група «Паблік імідж лімітед». Група була складена з уламків двох найбільших груп попереднього покоління — «Sex Pistols» і «Клеш». Голос Лайдона, що у «пистолзовский «період викликав асоціації з расхулиганившимся паровозним гудком, зненацька опинився досить приємною і коктейль, замішаний «П.И.Л.» сподобався. Галасливим слави «П.И.Л.» не завоювала, але що ця група став поштовхом, що змусили розвиватися музику усієї подальшої поколения.

В середині вісімдесятих в фазу розквіту вступили «Кьюэ». Перехворівши шлягерами, вони віддавали перевагу інструментальним п'єсам з мінімумом тексту і докладно пропрацьованої аранжировкой.

Возможности суто електронного творчості, яке себе обрали суперники і соратники «Кьюэ», «Depeshe Mode», привертали до собі музикантів ще 60-х. Після панків, які ненавиділи синтезатор, наново його відкрили «Хьюмэн ліг», завдяки чому вже безпосередньо до 80-му року вони стали дуже популярної групою. Та все складність полягало у написанні пам’ятних мелодій. І «Депеш Мод» це зробити. Журнал «Рекорд мірор» в 1984 року назвав групу «супергруппой міжнародного складу». У цілому цей період група, крім музичної, розвинула і надзвичайну активність і навіть приєдналася до очолюваному Біллом Брэггом перебігу «Червоний клин». Тоді була і доведено до досконалості організація концертів. Вражена декораціями і світловими ефектами критика, одностайно визнала, що із усіх електронних груп у «Depeshe Mode» найпотужніший концертне шоу.

Дублинские групи, заявили про собі у середині 1980;х, на рок-н-ролльную гітарну основу наклали відбиток ірландських народних балад. Успіх так вразив, що вони почали говорити про ірландському вторгненні. Першими і гучнішими всіх заявила про собі «U2». Починали вони виконанням простеньких рок-н-ролльчиков, поступово удосконалюючи техніку гри, вони записали три альбому і вони досить відомими Батьківщині. У 1982 року вони зустрічаються з продюсером Брайном Иноу. Пройшовши його школу, «U2» випустила 1984 році відзначив свій знаменитий альбом «Незабутній вогонь», який тоько у Штаті розійшовся накладом 9 мільйонів. Для групи, практично невідомої, це був тріумф. Наступний диск вийшов лише у березні 1987 року вже у квітні став золотим і підприємців посів першим рядком переважають у всіх хіт-парадах, проте 10 його композицій очолювали 10 таблиць популярності журналу «Мелоді мэйкер» — випадок нечуваний з часів «Битлз».

Пост-панк досяг своєї вершини, вражена Америка нагородила «U2» титулом кращої групи 80-х. Це була перемога, але вона щось надломила в пост-панке, і він став на очах розвалюватися.

Но на щастя на поп-роке весь рок не грунтується, ще від часів хард-року рок роздвоюється на два напрями: власне фатум і важкий рок, згодом що породив якусь своєрідну металическую культуру.

Так ось у важкої музиці справи складалися якнайкраще і її завойовувала дедалі нові рубежі. Та ба від моменту появи хэви-метал вона почала так званим «андеґраундом», тобто. підпільної музикою, призначеної задля всех.

Начало 80-х відбулося під переможний хід хэви-метала, але ставав дедалі менш важкий і більш комерційним, що, звичайно більшості молоді, бажала так само буйствувати, не подобалося. І ось початку 80-х починає зароджуватися нова музика — треш метав. Треш увібрав у собі панк-рок і хэви метав, вобравши у собі жорсткість, швидкість першого вчителя і мелодійність другого. Треш став найважчим напрямом музики, переважно це були досягнуто з допомогою доведення швидкості гри до фізичного краю, максимальним спотворенням звуку гітари (завдяки тому ж ефекту Distortion) і максимальним убыстрением ритм-секции, що стали скидатися на кононаду, з допомогою запровадження другий басової бочки. Але треш не полягало лише з однієї швидкості, він був чудовий тим, що зі швидкістю існувала мелодія, а часті різкі зміни ритму зробили його винятковим. Треш виник у Америці, і восновном як альтернативи початкуючому ставати помпезним хэви-металу. Батьками трешу прийнято вважати такі групи, як «Metallica», «Slayer», «Celtic Frost». У його дитинстві треш переважно оспівував агресивність і войовничість, але дуже швидко його різко зріс і водночас із ускладненням музики, треш групи заспівали про насущних проблемых — про про ядерну загрозу, політичної нестабільності, протест наркотиків, абортів, самогубств, історичних помилках людства і взагалі що ж є таке человек.

Как вже зазначав однією з першопрохідників цього стилю по праву вважається «Metallica ». Її феномен залежить від тому, що «сорокапяток «і ефектних відеосюжетів, виходячи на Майдані сцену без гриму, без трансляції композицій з і телебаченню, під акомпанемент глузувань солідної музичної преси, група як стала на чолі нового важкого андеграунду, а й придбала репутацію супергруппы поза нею. «Metallica «грає «рафінований метал », вільний навіть від «спадкових домішок «- ритмічне багатство композицій, гранична лаконічність музичних тим, прихована динаміка аранжувань миттєво виділяють групу серед багатьох таких, які взяли в основі зовнішні ознаки «металликовского «» металу ». У працях музиканти настільки чесні й щирі, що складається враження, ніби 70-х — зі своїми компромісами, втомою, лицемірством, прагматизмом, комплексами меншовартості, і тваринам страхом, перед майбутнім — ніколи було. Група, здатна гітарним риффом перекреслити спадщина «постреформистского десятиліття », може з повним підставою на звання спадкоємиці 60-х, ери Вудстока і наївних «дітей квітів ». Тільки «Metallica «не наївна, а гранично ожесточена — втратою різнобарвних ілюзій, своїм часом та її жорстокістю, і тих щонайменше вона — в другому поколінні Вудстока. Але історія «Металлики «- це щирість 60-х, зі своїми викликом святенницької моралі; те й кінець 70-х, коли «нову хвилю «англійського хэви-метала знову порушила питання: як далі? Скажена динаміка музики «Моторхэд », «Саксон «і «Даймонд Хед «давала нею свій відповідь: порятунок рухається, швидкістю — під лежачий камінь вода не тече. Досить базікати, час робити справу, людина або сама господар своєї судьбы!

История групи починається з датчанина Ларса Ульріха, серйозно займався тенісом. Настільки серйозно, що стала чемпіоном Копенгагена серед юніорів. У 1980;х року і його батьки переїхали в Лос-Анджелес. Спортивна кар'єра перервалася сам собою і Ларс також серйозно зайнявся ударными. Спустя року попалося оголошення газеті: якийсь Джеймс Хэтфилд шукає музикантів для групи. Вони швидко зійшлися, обопільна симпатія перетворилися на дружбу. Приятель і сусід Хэтфилда, Рон Макговни, став бас-гітаристом, для соло запросили чорного гітариста Ллойда Гранта. Вокал Хэтфилда за силою і тембру виявився дуже схожим на голос Оззі Осборна (це опісля зазначав і саме Оззі). Грант вибув зі складу за тиждень репетицій: ритмічні експерименти Хэтфилда виявилися у змозі цьому, загалом, преспективному гітаристові. На його місце прийшов Дэйв Мастейн, і вони влітку 1982 року «Metallica «записала свою першу композицію. Стрічка із записом потрапила на фірму «Мегафорс «і крізь два тижні «Metallica «підписала контракт на першу платівку. Однак у розпалі роботи бас-гітарист Макговни теж оголосив, що грати вже з Хэтфилдом большє нє може: «Від його ритмічних сбивок в мене мізки вставали дибки, він також чокнутий — ми граємо рок чи Стравінського? «Хэтфилд і Ульріх терміново вилетіли в Сан-Франциско, де їх знайшли чудового басовита Кліффа Бертона, тоді игравщего групи «Травма ». Кліфф Бертон був професійним музикантом з великим стажем роботи. Як будь-який хороший бас-гітарист, Бертон чудово опановував роялі, володів музичної теорією — крок по кроку він, як педагог, вів своїх менш досвідчених колег до розуміння основ музики, закладав фундамент для подальшої роботи, вивільняв із пут невігластва творческкий потенціал Хэтфилда. Кліфф навчив Хэтфилда працювати, і його це сподобалося. У тому 1983 року група розпочала записи перерваного альбому. Музиканти працювали по двадцять годин на день, але… Поява Бертона, його «школа хороших манер «не минули без сліду, Ульріх і Хэтфилд почувсвовали дискомфорт, хоч ніколи нічого начебто немає змінилося. Проте змінилося. Змінилося їх сприйняття музики, критерії, вимоги, предьявляемые матеріалу. «Дэйв Мастейн — відмінний гітарист, напевно, він є швидкий гітарист в «металі «, — каже Хэтфилд, — але вже стали іншими, а Дэйв продовжував лупити по струнах, ніби нічого цього не сталося. Нам потрібен був інший, хто міг би управлятися і з мелодіями. «Цим «іншим «виявився Кирк Хэммет з сан-франциской групи «Экседес », шанувальник Джими Хэндрикса і Майкла Шенкера, здатний втілити будь-яку чужу ідею з точністю комп’ютера. На щастя «рокіровка «гітаристів пройшла безболісно (Мастейн відтоді грає у «MegaDeath », групі, яку називають «швидкісної і прямолінійною копією «Металлики «»). Перед любителями жорсткого року з’явилася нова група. Не зовсім така, який, передбачалося, може бути. Попри певні стилические тяжіння до «Black Sabbath «і «Led zeppelin », композиції «Meталлики «видаються «сухими », різкими, а ритмічні дива Хэтфилда взагалі ставлять під приналежність групи до рока у традиційному значенні. У цілому нині музика групи «Metallica «набагато складніша, ніж щось колись колишнє в роке.

Проте тексти першого альбому «Kill'em All «мало відрізнялися від стандартних розробок, наприклад, «Judas Priest »: рок, хай живе фатум і лише рок! Принципово іншим став другий альбом «Ride the Lighting «(1984). У музичному плані він поглиблюють і розвиває знахідки, якими відзначений дебют групи, але вірші тут вийшли першому плані і несуть ті ж самі емоційну навантаження, як і музика. «Metallica «почала читати дуже важкі теми: війна, смертну кару, наркоманія, насильство психози, придушення інакомислення — теми, що з того часу завжди є у творчості цієї групи. Записавши третій альбом, «Metallica «відразу ж набуває статусу супергруппы — тріумфальні гастролі з Оззі Осборном, беспрецендентная реалізація диска, практично миттєво що є «золотим ». На початку осені 1986 року, а точніше — у вересні, «Metallica «вирушила на гастролі по Скандинавії. Дорогою з Стокгольма до Копенгагена автобус з музикантами й персоналом не втримався на слизькому повороті і первернулся. Загинув одна людина, Кліфф Бертон. Він мав 24 року. Оговтавшись від шоку, «Metallica «оголосила конкурс бас-гитаристов. Їм 340 демонстраційних записів, у тому числі відібрали одну. Її автором був Джесон Ньюстед.

" …And justice for all «- названий «Metallica «свій подвійний альбом, що вийшов 1988 року. Вперше після записи «Kill'em all «група прийшла б у студію із готовим матеріалом. Робота рухалася дуже важко: тиснула думку, що це перші самостійні композиції, крізь ноти яких немає пробігав погляд Бертона. Мабуть, цей альбом вийшов самим цікавим історія «Металлики ». У рекордний термін він став «платиновим ». Новий альбом групи з’явився і в прилавках 4 серпня 1991 року й до 6 серпня вона вже був двічі «золотим ». Цю роботу так можна трактувати, як і властиву напрями «спид-трэш-метал «і водночас цілком логічну, стосовно концепції творчості «Металлики »: швидкість виконання, свого часу стала самоціллю, поступилося місцем мелодійністю (щоправда, група й раніше не страждала її відсутністю), жорсткість звучання збереглася, але нині вона досягається з допомогою акустичних інструментів. А загалом цей диск сповнений ремінісценцій хард-року 70-х, у ньому виразно прослуховуються стилістичні комбінації на кшталт «Black Sabbath «і «Deep Purple » .

Рок 90-х.

Рок 90-х можна охарактиризовать одним напрямом та однієї групою — гранж і «Nirvana». Статут від довгого засилля поп-року, молодь звернулася до буйному, зухвалому гранжу, що є злиття таких стилів як панк, хэви метав і поп-рок. Гранж відрізняє що викликає поведінку і швидкість гри року-панка-долі і наявність нескладних мелодій поп-року. Формуватиметься гранж розпочав наприкінці 80-х (хоча який ще наприкінці 70-х група «The Go-Go's» підносила публіці щось), його батьками були «Nirvana», «Pearl Jam», «Soundgarden». Хоча «Pearl Jam» і «Soundgarden» грали набагато краще ніж «Nirvana», молодь прийняла саме останню право їх що викликає зажигательность. Практично «Nirvana» трималася з допомогою свого лідера Курта Кобейна. Попри те що, що майстерність виконавців залишало бажати кращого, в піснях Кобейна було щось, що аж були не притягиваиь людец до цієї музиці. Після трагічної загибелі Курта Кобейна група розпалася, та їх музика звучить досі. Після розвалу групи «Nirvana», зріс інтерес до техничному і професійному гранжу, отримали популярність такі групи «Pearl Jam» і «Soundgarden», які повинні докорінно від «Nirvana». Ці групи володіють інструментами та його творчий потенціал не вичерпується простенькими мелодіями, при цьому у тому тектсах піднімається серйозна проблематика навколишнього мира.

Что чекає рок у майбутньому? Розглянувши його повторювану історію, можна з упевненістю сказати, що в року нові буйства й протести, нові злети творчості полягає і експерименти із схрещування музики різних напрямів, часом протилежних. рок не на місці, він постійно розвивається. Відкидаючи минуле існує і одночасно вбираючи у собі найбільш виразне минулого з’являтимуться нові напрями, нові групи, нові руху. І ж постійно буде конфлікт дітей і батьків, батьки заборонятимуть дітям слухати цю «бісівський», «брудну» музику, а діти на зло батькам будуть її слушать.

Заключение.

Конечно, в обсязі одного реферату неможливо повністю описати картину музичного світу сучасності. Я змушений був опустити повністю європейську й американську симфонічну музику, лише мигцем згадав таких найвідоміших диригентів, як Тосканіні, майже торкнувся розвиток блюзу і багатьох інших жанрів, зокрема і поп-музики. Навіть у історії рок-музики, досить докладно тут описаної, залишилися прогалини: обойдёнными увагою залишилися такі цікаві команди, як «AC/DC », «Van Halen », «Uriah Heep », «Guns «n «Roses », «Doors », «Aerosmith ». З іншого боку, цілком особливе явище представляє з себе російський і радянський рок. Виходячи з цього, дозволю собі у цьому закінчити мій реферат.

Для підготовки даної праці були використані матеріали із російського сайту internet.