Светочи же Росії та Чувашии

Міністерство праці та соціального розвитку РФ.

Московський державний соціальний университет.

Філія м. Чебоксары.

Юридичний факультет.

Контрольна работа.

на уроках: Вітчизняна історія на задану тему: Світочі же Росії та Чувашии.

Виконала: студент 1курса заочного відділення групи ЗЮ-11.

Науковий керівник: профессор

Васильєв Єгор Васильевич.

р. Чебоксар 2004 г.

Введення з 3 — 4.

I Світочі Росії із 4 — 19.

II Художник Рєпін И.Е. з 19 — 22.

III Світочі Чувашії з 22 — 27.

IV Художник Овчинников Н. В. з 27 — 29.

Заключение

з 29.

Список використаної літератури з 30.

XIX століття називають «Золотим століттям» російської культури. Це час культурного та духовної підйому у Росії. Якщо економічному просторі і соціальнополітичному розвитку Росія відставала передових європейських держав, то досягненнях культури вона лише йшла поруч із ними, а й опережала.

На початку ХІХ століття в живопис поруч із класицизмом з його міфологічними і біблійними сюжетами прийшло романтичне напрям, представники якого виявляли великий інтерес до постаті та внутрішньому світу людини. Ця обставина зумовило розвиток портретного жанра.

Культура цього часу розвивалася і натомість наростання національної самосвідомості російського народу й у з цим мала яскраво виражений національного характеру. Величезний вплив на живопис, літературу, театр, музику справила Вітчизняна війна 1812 року, яка прискорила зростання національної самосвідомості російського народу. Проте консервативні тенденції у політиці стримували розвиток культури. Уряд явно боролося з проявами передовий громадської мысли.

Соціально-економічні зміни у країні, які проведення радикальних ліберальних перетворень, зумовили формування нових громадських відносин, справили справжній переворот гроші не лише у соціальної, а й духовною життя всіх росіян, охопивши широкий загал народу. Друга половина ХІХ століття була закономірним продовженням «Золотого століття» вітчизняної науку й культури. Твори російських вчених і мислителів, письменників, художників України та музикантів, стали визнаними корифеями світової класики, надійно ввійшли до скарбниці людської цивилизации.

На межі XIX-початку XX століття у духовному житті Росії з’явилися тенденції, пов’язані з світовідчуттям людини ХХ століття. Вони вимагали нового осмислення соціальних і моральних проблем. Усе це зумовлювало пошуку нових образотворчих методів і коштів. У Росії її склався своєрідний историко-художественный період, який його сучасники називали «Серебреным століттям» російської культуры.

Світочі России.

Для російського образотворчого мистецтва були характерними романтизм і реалізм. Проте офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталим установою, який перешкоджав будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала суворо слідувати канонам класицизму, заохочувала написання картин на біблійні і міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому частіше зверталися до портретному жанру.

Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму Кипренский Орест Адамович (1782−1836), відомий як чудовий портретист. У фільмі «Дмитро Донський на Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував впевнене знання канонів академічної історичної картини. Але областю, де його талант розкривається найбільш природно, і невимушено, стає портрет. Перший його мальовничий портрет («А. До. Швальбе», 1804), написаний «рембрандтівської» манері, виділяється своїм виразним і драматичним светотеневым строєм. З роками його майстерність, — прояви умінні створювати насамперед неповторні индивидуально-характерные образи, підбираючи особливі пластичні кошти, щоб цю характерність відтінити, — міцніє. Вражаючою життєвості сповнені: портрет хлопчика А. А. Челищева (близько 1810−11), парні зображення подружжя Ф. У. та О. П. Ростопчиных (1809) і У. З повагою та Д. М. Хвостових (1814, все — Третьяковская галерея). Художник дедалі більше обіграє можливості колірних і светотеневых контрастів, пейзажного фону, символічних деталей («Є. З. Авдулина», близько 1822, там-таки). Навіть більші парадні портрети художник вміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними («Портрет лейб-гусарского полковника Євграфа Давидова», 1809, Російський музей). Його портрет молодого, овіяного поетичної славою О.С. Пушкіна одна із найкращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто і романтично, в ореолі поетичної слави. «Ти мені лестиш, Орест», — зітхнув Пушкін, переглянувши готове полотно. Кипренский був віртуозним рисувальником, створив (переважно у техніці італійського олівця і пастелі) зразки графічного майстерності, найчастіше переважали відкритої, хвилююче легкої своєї емоційністю його мальовничі портрети. І це побутові типажі («Сліпий музикант», 1809, Російський музей, «Калмычка Баяуста», 1813, Третьяковская галерея), і знаменита серія олівцевих портретів учасників Великої Вітчизняної війни 1812 року (малюнки із зображенням Є. І. Чаплица, А. Р. Томилова, П. А. Оленіна, хоча б малюнок з поетом Батюшковым та інших., 1813−15, Третьяковская галерея та інших. зборів), героїчне початок тут набуває задушевний відтінок. Велика кількість начерків і текстові свідоцтва показують, що митець весь свій зрілий період тяжів до створення великий (з його словами з листа А. М. Оленіну 1834 року), «ефектною, чи, російською сказати, ударистой й гарною картини», де у алегоричній формі було б зображені підсумки європейській історії, одно як та призначення Росії. «Читачі газет у Неаполі» (1831, Третьяковская галерея) — з вигляду просто груповий портрет — насправді є скрытно-символический відгук на революційні події у Європі. Проте найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або зникли (подібно «Анакреоновой гробниці», завершеної 1821). Ці романтичні пошуки, проте, отримали масштабне продовження у творчості До. П. Брюллова й О. А. Иванова.

Реалістичну манеру відбивали твори В. А. Тропинина. Ранні портрети Тропинина, написане у стриманою барвистої гамі (сімейні портрети графів Морковых 1813-го і 1815-го років, обидва — в Третьяковській галереї), ще повністю належать до традиції століття Просвітництва: модель в них безумовним і стабільним центром образу. Пізніше колорит живопису Тропинина стає интенсивней, обсяги зазвичай ліпляться більш чітко й скульптурно, але найголовніше — вкрадливо наростає суто романтичне відчуття рухомий стихії життя, лише частиною, фрагментом якої здається герой портрета («Булахов», 1823, «До. Р. Равич», 1823, автопортрет, близько 1824, все три — там-таки). Так само А. З. Пушкін на знаменитий портрет 1827 року (Всеросійський музей А. З. Пушкіна, р. Пушкін): поет, поклавши руку на стопку папери, хіба що «слухає музи», вслухується в творчу мрію, навколишню образ незримим ореолом. Він також написав портрет О.С. Пушкіна. Перед глядачем постає досвідчений життєвим досвідом, невідь що щаслива молода людина. На портреті Тропинина поет подомашньому чарівний. Якимось особливим старомосковским теплому і затишком віє від робіт Тропинина. До 47-річного віку перебував він у фортечної неволі. Тому, напевно, так свіжі, так одухотворені з його полотнах особи простого люду. І нескінченні молодість і зачарування його «Мереживниці». Частіше всього В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу («Мереживниця », «Портрет сина «і др.).

Художні і ідейні пошуки російської суспільной думці, очікування змін позначилися в картинах К. П. Брюллова «Останній день Помпеї «і А.А. Іванова «Явище Христа народу » .

Великим витвором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла Павловича Брюллова (1799—1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї побував велика російський художник. Він прогулювався древнім мостовим, милувався фресками, у його уяві підводилася та трагічна ніч серпня 79 р. зв. е., коли місто був засипаний розпеченим попелом і пемзою проснувшегося Везувію. Три року картина «Останній день Помпеї» зробила тріумфальне подорож з Італії Росію. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії древнього міста, вже неіснуючого під лавою і попелом извергающегося Везувію. Картина проникнута високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, виявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був у Італії по відрядженні Академії мистецтв. У цьому вся навчальному закладі було добре поставлено навчання техніці живопису та малюнка. Проте академія однозначно орієнтувалася на античне спадщина і героїчну тематику. Для академічної живопису були характерними декоративний пейзаж, театральність загальної композиції. Сцени із сучасної життя, звичайний російський пейзаж вважалися негідними пензля художника. Класицизм у живопису отримав назва академізму. Брюлловим був із Академією усім своїм творчеством.

Він мав могутнім уявою, пильним оком, і вірної рукою — і в нього народжувалися живі твори, узгоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським добірністю він умів закарбувати полотні та краси оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного променя на зеленому аркуші. Немеркнучими шедеврами російської живопису назавжди залишаться його полотна «Вершниця», «Вірсавія», «Італійське ранок», «Італійський полудень», численні парадні і інтимні портрети. Проте художник завжди тяжів до великим історичним тем, до зображення значних подій перелому людської історії. Багато його задуми у плані були здійснено. Ніколи не полишала Брюллова думку створити епічна картина на сюжет з російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія». Тут зображений кульмінаційний момент облоги 1581 р., коли псковські ратники і. городяни кидаються до атаки на котрі прорвалися до міста поляків і відкидають за стіни. Але картина залишилася незавершеним, і завдання створення справді національних історичних картин було здійснено не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Одноліток Пушкіна, Брюллов пережив його за 15 років. Останніми роками він хворів. З автопортрета, написаного ті часи, на нас дивиться рудуватий людина з тонкими рисами обличчя і спокійним, замисленим взором.

У першій половині в XIX ст. жив і творив митець Олександр Андрійович Іванов (1806—1858). Протягом усього творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши їх у картині «Явище Христа народу». Більше 20 років він над картиною «Явище Христа народу», у якому вклав всю могутність і вплив яскравість свого таланту. На місці його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Іоанна Христителя, яке зазначає народу на яке Христа. Його постать дана віддалік. Він тоді ще не прийшов, він іде, він обов’язково прийде, каже художник. І світлішають, очищаються обличчя і душі тих, хто очікує Спасителя. У цьому картині а також, як говорив пізніше І. Є. Рєпін, «пригноблений народ, жаждующий слова свободы».

У першій половині ХІХ ст. в російську живопис входить побутової сюжет. Серед перших щодо нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780—1847). Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Це життя він показує в ідеалізованому, приукрашенном вигляді, віддаючи данина модному тоді сентиментализму. Проте картини Венеціанова «Гумно», «На жнив. Літо», «На ріллі. Весна», «Селянка з волошками», «Захарка », «Ранок поміщиці «відображаючи вроду й шляхетність простих російських людей, служили утвердженню гідності людини незалежно від соціального положения.

Його традиції продовжив Павло Андрійович Федотов (1815—1852). Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, разоблачающим торгашескую мораль, побут і чесноти верхівки суспільства («Сватання майора », «Свіжий кавалер «та інших.). Свій шлях художника-сатирика він починав будучи офицером-гвардейцем. Тоді він усе-таки робив веселі, пустотливі замальовки армійського побуту. У 1848 р. на академічної виставці було представлено його картина «Свіжий кавалер». Це була зухвала глузування як над тупим, самовдоволеним чиновництвом, а й над академічними традиціями. Брудний халат, куди зодягнувся головним героєм картини, аж надто нагадував античну тогу. Брюллов довго стояв перед полотном, і потім сказав напівжартома напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедийносатиричного характеру мають і інші картини Федотова («Сніданок аристократа», «Сватання майора»). Останні його картини дуже сумні («Анкор, ще анкор!», «Вдовиця»). Сучасники справедливо порівнювали П. О. Федотова у живопису з Н. В. Гоголем у літературі. Викриття виразок кріпосницькій Росії — основною темою творчості Павла Андрійовича Федотова.

Друга половина в XIX ст. ознаменувалася розквітом російського образотворчого мистецтва. Він став справді великим мистецтвом, було перейнято пафосом визвольних змагань народу, відгукувалося на запити життя і активна вторгалося у життя. У образотворче мистецтво остаточно утвердився реалізм — правдиве і всебічне відбиток життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності і справедливости.

Центральної темою мистецтва став народ, не лише пригноблений і страждальців, а й народ — творець історії, народ-борец, творець всього кращого, що є у жизни.

Твердження реалізму мистецтво розвивався завзятій боротьби з офіційним напрямом, представником якої було керівництво Академії мистецтв. Діячі академії переконували своїх учнів ідеї у тому, що мистецтво вище життя, висували лише біблійну і міфологічну тематику до творення художников.

9 листопада 1863 р. велика група випускників Академії мистецтв відмовилася писати конкурсні роботи з запропоновану тему з скандинавської міфології і залишила Академію. На чолі бунтарів стояв Іване Миколайовичу Крамськой (1837—1887). Вони об'єдналися в артіль і вони жити комуною. Через сім років вона розпалася, але часу зародилося «Товариство пересувних художніх виставок», професійно-комерційне об'єднання художників, котрі стояли близьких ідейних позициях.

«Передвижники» були об'єднані у своїй неприйнятті «академізму» з його міфологією, декоративними пейзажами і пихатої театральністю. Вони хотіли б зображати живе життя. Чільне місце у творчості зайняли жанрові (побутові) сцени. Особливою симпатією «передвижників» користувалося селянство. Вони показували його потребу, страждання, пригнічений становище. У ті часи — в 60—70-е рр. в XIX ст.— ідейна сторона мистецтва цінувалася вище від, ніж естетична. Тільки з часом художники згадали про самоцінності живописи.

Мабуть, найбільшу данина ідейності віддав Василь Григорович Перов (1834—1882). У творах Перов пристрасно викриває існуючий лад, з великим майстерністю і переконливістю показує важку частку народу. У фільмі «Сільський хрещений на певний Великдень» художник показав російську село в вихідний день, злидні, безпробудне пияцтво, сатирично зобразив сільське духовенство. Вражає своїм драматизмом, безвихідній скорботою одну з найкращих картин Перова — «Проводи небіжчика», яка розповідає про трагічну долю сім'ї, що залишилася без годувальника. Великий популярністю користуються його картини «Останній шинок у застави», «Старібатьки на могилі сина». Тонким гумором і ліризмом, любові до природі просякнуті картини «Мисливці на привалі», «Рибалка». Його творчість пронизане любові до народу, прагненням осмислити явища життя і мовою мистецтва правдиво розповісти про неї. Картини Перова належать до найкращим зразкам російського мистецтва. Його творчість хіба що перегукується з поезією Некрасова, твори Островського, Тургенєва. Досить такі його картини, як «Приїзд станового на слідство», «Чаювання в Мытищах». Деякі роботи Перова просякнуті справжнім трагізмом («Трійка», «Старики-родители на могилі сина»). Пензлю Перова належить ряд портретів його знаменитих сучасників (Островського, Тургенєва, Достоевского).

Деякі полотна «передвижників», написані з натури або під враженням від сцен, збагатили наші ставлення до селянської життя. У фільмі З. А. Коровіна «На світу» показано сутичка на сільському сході між багачем і бідняком. Урочиста святковість селянської праці відбито у картині Р. Р. Мясоєдова «Косцы».

Ідейним вождем Товариства пересувних виставок був Іване Миколайовичу Крамськой (1837—1887)—замечательный художник і теоретик мистецтва. Крамськой боровся проти з так званого «чистого мистецтва». Він закликав художника бути людиною і громадянином, своєю творчістю виборювати високі громадські ідеали. У творчості Крамського головне місце посідала портретна живопис. Крамськой створив цілу галерею чудових портретів російських письменників, художників, громадських діячів: Толстого, СалтиковаЩедріна, Некрасова, Шишкіна та інших. Йому належить одну з найкращих портретів Льва Толстого. Пильний погляд письменника немає глядача, з яким б точки він і роздивлявся полотно. Одне з найбільш сильних творів Крамського — картина «Христос в пустыне».

«Передвижники» зробили справжні відкриття пейзажної живопису. Олексій Кіндратович Саврасов (1830—1897) зумів показати вроду й тонкий ліризм простого російського пейзажу. У 1871 майстер створює низку кращих своїх робіт («Печерський монастир під Нижнім Новгородом», Нижегородський художньому музеї, «Розлив Волги під Ярославлем», Російський музей), в т. год. знамениту картину «Граки прилетіли» (Третьяковская галерея), що стала найпопулярнішим російським пейзажем, свого роду мальовничим символом Росії. Этюдная робота над «Гайворонами» йшла на березні, в з. Молвитино (нині Сусанино) Буйского повіту Костромської губернії. Талий сніг, весняні гайворони на берізках, сіро-блакитне, блякле небо, темні хати і давня церковка на тлі захололих далеких лук, — все сплавилося в образ дивного поетичного чарівності. Картині властивий воістину чарівний ефект впізнаваності, «вже баченого» (deja vue, мовою психології) — причому як десь біля Волги, де писалися «Граки», а хіба що у кожному куточку країни. Тут «настрій» — як особливе споглядальне простір, об'єднує картину з глядачем — остаточно перетворюється на цілком особливий компонент образу, це влучно фіксує І. М. Крамськой, пишучи (в листі до Ф. А. Васильєву, 1871), торкаючись інших пейзажів на виставці: «все це дерева, вода і навіть повітря, а душа є лише у «Грачах». Незримо зрима «душа», настрій животворить й наступні речі Саврасова: чудові московські пейзажі, органічно поєднують побутову простоту переднього плану з величними далями («Сухарєва вежа», 1872, Історичний музей, Москва, «Вигляд на Московський Кремль, Весна», 1873, Російський музей), віртуозний про передачу вологи і світлотіні «Путівець» (1873, Третьяковская галерея), сентиментальну «Могилу над Волгою» (1874, Алтайский крайової музей образотворчих мистецтв, Барнаул), светозарную «Райдугу» (1875, Російський музей), меланхолійну картину «Зимовий пейзаж. Іній» (1876−77, Воронезький музей образотворчих мистецтв). У пізній період майстерність Саврасова різко слабшає. Житейськи опустившись, страждаючи алкоголізмом, він живе з допомогою копій із своїх найкращих робіт, насамперед із «Грачей».

Федір Олександрович Васильєв (1850—1873) прожив коротке життя. Його творчість, оборвавшееся від початку, збагатило вітчизняну живопис поруч динамічних, хвилюючих пейзажів. Художнику особливо вдавалися перехідні стану у природі: від сонця на дощ, від затишшя до бурі. Виходець із родини поштового службовця, навчався у Малювальної школі Товариства заохочення мистецтв, соціальній та 1871 в Академії мистецтв, в 1866−67 працював під керівництвом І. І. Шишкіна. Видатний талант Васильєва склався рано і потужно в картинах, вражаючих глядача своїм психологічним драматизмом. Чудовій «поезією при натуральності враження» (за словами І. М. Крамського, близького друга Васильєва, про корінне властивості його творчості цілому) проникнута вже картина «Перед дощем» (1869, Третьяковская галерея). У 1870 подорожував Волгою разом із І. Є. Рєпіним, внаслідок з’явилася картина «Вигляд на Волзі. Баржі» (1870, Російський музей) та інші роботи, відзначені тонкощами світлоповітряних ефектів, майстерністю передачі річкової та повітряної вологи. Не в зовнішніх ефекти тут суть. У творах Васильєва природа, як відгукуючись на руху людської душі, у сенсі психологизируется, висловлюючи складну гаму почуттів між розпачем, надією та тихій смутком. Найвідоміші картини «Відлига» (1871) і «Мокрий луг» (1872, обидві в Третьяковській галереї), де постійний інтерес художника до перехідним, неопределенно-зыбким станам натури перетворюється в образи осяяння крізь меланхолійну імлу. Це — свого роду натурні сни про Росію, що витримують порівняння з пейзажними мотивами І. З. Тургенєва чи А. А. Фета. Художник (про що його листуванні з Крамским) мріє з приводу створення якихось небачених творів, про символічних пейзажах-откровениях, які б зцілити людство, обтяжена жодним «злочинними задумами». Але перебувати йому вже полічені. Захворівши туберкульозом, він переселяється в 1871 до Ялти. Фатальна хвороба, зливаючись з враження від південної природи, котра представляється в нього не святкової, але отчужденно-тревожной, надає його живопису ще більшу драматичну напруженість. Тривожно і сутінно найбільше його полотно цього періоду — «У Кримських горах» (1873, Третьяковская галерея). Потопаюча в серпанку, написана похмурих коричневато-серых тонах гірська дорога знаходить тут потойбічний відтінок, подобу безвихідній дороги на вітер. Вплив мистецтва Васильєва, посилене трагізмом його ранній смерті, був дуже значним. Романтична традиція, остаточно отрешаясь від поглядів на пейзажі як декоративному видовище, досягла у його роботах особливої духовної змістовності, яка провіщає мистецтво символізму і модерну, пейзаж чеховско-левитановской поры.

Творчість Віктору Михайловичу Васнєцова (1848—1926) був із російськими народними казками, билинами, сюжети що їх брав в основі своїх картин. Його краще твір — «Три богатиря». Перед глядачем улюблені кіногерої російського билинного епосу — богатирі, захисники російської землі й рідного народу від численних врагов.

Співаком російського лісу, епічної широти російської природи став би Іван Іванович Шишкін (1832—1898). Для ранніх робіт Шишкіна («Вигляд на острові Валаамі», 1858, Київський музей російського мистецтва, «Рубання лісу», 1867, Третьяковская галерея) характерна деяка дробность форм, дотримуючись традиційного для романтизму «кулисного» побудови картини, чітко размечая плани, не сягає ще переконливого єдності образу. У цих картинах, як «Полудень. Довкола Москви» (1869, там-таки), це єдність постає вже очевидною реальністю, передусім з допомогою тонкої композиційною і свето-воздушно-колористической координації зон піднебіння та землі, грунту (останню Шишкін відчував особливо проникливо, цьому плані не маючи собі рівних можливостей у російському пейзажному искусстве).

У 1870-е рр. майстер входить у пору безумовною творчої зрілості, про якої свідчать картини «Сосновий бір. Щогловий ліс в Вятской губернії» (1872) і «Жито» (1878, обидві — Третьяковская галерея). Зазвичай уникаючи хитких, перехідних станів природи, художник фіксує її вищий літній розквіт, досягаючи вражаючого тонального єдності саме за яскравого, обіднього, літнього світла, визначального всю національну колористичну шкалу. Монументально-романтический образ Природи з великої літери незмінно є у картинах. А нові, реалістичні віяння, проступають у цьому проникливому увазі, з яким виписуються прикмети конкретного шматка землі, куточка ліси або поля, конкретного дерева. Шишкін — чудовий поет як грунту, а й дерева, з відчуттям характер кожної породи [у найбільш типових своїх записах він згадує непросто «ліс», але ліс з «осокорея, в’язів й залишається частиною дубів» (щоденник 1861 року) чи «ліс смерековий, сосновий, осика, береза, липа» (з листа І. У. Волковскому, 1888)]. З особливою полюванням художник пише породи найпотужніші і міцні типу дубів і сосен — на стадії зрілості, старість і, нарешті, смерті буреломі. Класичні твори Шишкіна — такі, як «Жито» чи «Серед долини ровныя…» (картину названо по пісні А. Ф. Мерзлякова, 1883, Київський музей російського мистецтва), «Лісові дали» (1884, Третьяковская галерея) — сприймаються, мов узагальнені, епічні образи Росії. Художнику однаково вдаються і далевые види, й лісові «інтер'єри» («Сосни, освітлені сонцем», 1886, «Ранок в сосновому лісі» де ведмеді написані До. А. Савицьк, 1889, обидві — там-таки). Самостійну цінність мають його малюнки і етюди, які становлять детализованный щоденник природної життя. Його образи, незважаючи на «об'єктивність» і принципове відсутність психологізму, властивого «пейзажу настрої» саврасовско-левитановского типу, завжди мали великий поетичний резонанс (недарма Шишкін належав до найулюбленіших художників А. А. Блоку). У Єлабузі відкритий будинок-музей художника.

Наприкінці в XIX ст. вплив передвижників впала. У образотворчому мистецтві з’явилися нові напрями. Портрети пензля В.А. Сєрова і пейзажі І.І. Левітана були співзвучні з французької школою імпресіонізму. Частина художників поєднувала російські художні традиції з новими образотворчими формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодієв, і др.).

Своєю вершини російська пейзажна живопис в XIX ст. досягла у творчості учня Саврасова Ісаака Ілліча Левітана (1860—1900). Левітан — майстер спокійних, тихих пейзажів. Людина дуже боязкий, сором’язливий і ранима, він умів відпочивати лише віч-на-віч із природою, переймаючись настроєм уподобаної мною пейзажа.

Якось приїхав він у Волгу писати сонце, повітря і річкові простори. Але сонця був, небом повзли нескінченні хмари, не припинялися сумні дощі. Художник нервував, доки втягся у цю погоду і виявив особливу принадність сизо-сиреневых фарб російського негоди. Відтоді Верхня Волга, заштатне містечко Плесо надійно ввійшли у його творчість. У групі тих краях він створив свої «дощові» роботи: «Після дощу», «Похмурий день», «Над вічним спокоєм». Саме там було написано умиротворені вечірні пейзажі: «Вечір на Волзі», «Вечір. Золотий плесо», «Вечірній дзенькіт», «Тиха обитель».

Останніми роками життя Левітан звернув увагу до творчість французьких художников-импрессионистов (Еге. Мане, До. Моне, та інших.). Він зрозумів, що він із нею багато спільного, що й творчі пошуки ішли у тому самому напрямі. Як багато і вони, він вважав за краще працювати над майстерні, але в повітрі. Як можна і вони, він высветлил палітру, вигнавши темні, землисті фарби. Як багато і вони, він намагався закарбувати скороминущість буття, передати руху світла і повітря. Цього сезону вони пішли значно далі його, але розчинили в світлоповітряних потоках об'ємні форми (вдома, дерева). Він уникнув этого.

«Картини Левітана вимагають повільного розглядання, — писав великий знавець його творчості До. Р. Паустовський.— Не приголомшують очей. Вони скромні, і точні, подібно чехівським розповідям, та що довше вдивляєшся в них, то миліші стає тиша провінційних посадів, знайомих рік і проселков».

На друга половина ХІХ ст. доводиться творчий розквіт І. Є. Рєпіна, У. І. Сурікова і У. А. Серова.

Василь Іванович Суриков (1848—1916) народився Красноярську, в козацької сім'ї. Розквіт його творчості посідає 80-ті рр., що він створив три найзнаменитіші свої історичні картини: «Ранок стрілецької страти», «Меншиков в Березове» і «Бояриня Морозова». Його твори «Ранок стрілецької страти», «Меншиков в Березове», «Бояриня Морозова», «Підкорення Сибіру Єрмаком Тимофійовичем», «Степан Разін», «Перехід Суворова через Альпи» — вершина російській та світової історичної живопису. Велич російського народу, його краса, незламна воля, його важка і складна доля — ось те, що надихало художника.

Суриков вивчав і знав побут і чесноти минулих епох, вмів давати яскраві психологічні характеристики. З іншого боку, він був чудовим колористом (майстром кольору). Досить сліпучо свіжий, іскристий сніг в «Боярыне Морозової». Якщо ж підійти до полотну ближче, сніг хіба що «розсипається» на сині, блакитні, рожеві мазки. Цей мальовничий прийом, коли два-три різних мазка з відривом зливаються і 26 дають потрібний колір, широко використовували французькі импрессионисты.

Валентине Олександровичу Сєров (1865—1911), син композитора, писав пейзажі, полотна на теми, працював, як театральний художник. Але славу йому принесли, передусім, портреты.

У 1887 р. 22-річний Сєров відпочивав в Абрамцеве, підмосковній дачі мецената З. І. Мамонтова. До його численних дітей молода художниця був своєю людиною, учасником їх гучних ігор. Якось після обіду в їдальні випадково затрималися двоє — Сєров і 12-річна Веруша Мамонтова. Вони сиділи за одним столом, у якому залишилися персики, і поза розмовою Веруша не помітила, митець почав накидати її портрет. Робота розтяглася озер місяцем, і Веруша сердилася, що Антон (так по-домашньому звали Сєрова) змушує її годинами сидітиме у столовой.

На початку вересня «Дівчинка з персиками» була завершено. Попри невеличкий розмір, картина, написана розово-золотистых тонах, здавалася дуже «просторій». У ньому було багато світла і повітря. Дівчинка, присевшая за стіл хіба що хвилини і остановившая свій погляд глядачам, зачаровувала ясністю і одухотвореністю. Та й полотно було овіяне суто дитячим сприйняттям повсякденності, коли щастя не усвідомлює, а попереду — ціла жизнь.

Мешканці абрамцевского вдома, звісно, розуміли, що їх очах здійснилося диво. Але тільки час дає остаточні оцінки. Воно й поставило «Дівчинку з персиками» до кількох кращих портретних робіт у російській та світової живописи.

Наступного року Сєров зумів майже повторити своє чарівництво. Він ніби написав портрет своєї сестри Марії Симоновичів («Дівчина, освітлена сонцем»). Назва закріпилося трохи неточне: дівчина сидить затінена, а променями ранкового сонця освітлена галявина другою плані. На картині все разом, так об'єднані — ранок, сонце, літо, молодість і краса, — що кращу назву важко придумать.

Сєров став модним портретистом. Перед ним позували відомі письменники, артисти, художники, підприємці, аристократи, навіть царі. Повидимому, не всім, кого він писав, лежала в нього душа. Деякі великосвітські портрети, при філігранної техніки виконання, вийшли холодными.

Декілька років Сєров викладав у Московському училище живопису, ліплення і зодчества. Він був вимогливим педагогом. Противник застиглих форм живопису, Сєров водночас вважав, що творчі пошуки повинні містити твердому володінні технікою Шевченкового малюнка і мальовничого листи. Багато видатні майстра вважали себе учнями Сєрова: М. З. Сарьян, К-Ф. Юон, П. У. Кузнєцов, До. З. Петров-Водкин.

Багато картин Рєпіна, Сурікова, Левітана, Сєрова, «передвижників» потрапили до збори Третьякова. Павло Михайлович Третьяков (1832—1898), представник старовинного московського купецького роду, був незвичним людиною. Поганий і високий, з густою бородою і тихим голосом, він більше був що святого, ніж купця. Збирати картини російських художників почав з 1856 р. Захоплення переріс у головну справу життя. На початку 1990;х рр. збори рівня музею, поглинувши майже всі стан збирача. Пізніше вона перейшла у власність Москви. Третьяковская галерея стала на весь світ музеєм російської живопису, графіки і скульптуры.

У 1898 р. у Петербурзі, у Михайлівському палаці (творіння До. Россі) був відкритий Російський музей. До нього надійшли твори російських митців з Ермітажу, Академії мистецтв та деяких менших імператорських палаців. Відкриття цих двох музеїв хіба що увінчала досягнення російської живопису XIX—XX вв.еков.

Художник Рєпін И.Е.

Творчість Рєпіна Іллі Юхимовича — свого роду «енциклопедія », панорама російського життя другої половини XIX — початку сучасності. Рєпін прославив російську літературу портретами Толстого, Гоголя, Тургенєва, Горького, Писемского, Фета, Стасова, Леоніда Андрєєва. Російську музику — ликами Глінки, Мусоргського, Бородіна, Римського-Корсакова, Глазунова, Лядова. Він створив в образи своїх коллег-живописцев: Сурікова, Крамського, Васнєцова, Куїнджі, Шишкіна, Ге, Сєрова. Саме його інтерпретації запам’яталися нам особи великих учених Менделєєва, Павлова, Сєченова, Бехтерєва, хірурга Пирогова, і навіть творця знаменитої галереї Третьякова. Рєпін цей був портретистом. Найвідоміші його картини саме на інших жанрах: це історичні полотна — наприклад, «Іван Грізний і син його Іван 16 листопада 1581 року », що у народі називають «Іван Грозний вбиває тато свого сина ». Або «Запорожці пишуть листа турецькому султанові «. Рєпін був майстром створювати й монументальні картины-сцены, у яких гостро звучать соціальні мотиви. Скажімо, «Хрещений хід» у Курській губернії «- зображення багатолюдній процесії. Усі тривають від церковними хоругвами, тримаються начебто разом, але у натовпі можна розрізнити господарів життя і посполитих, яких палицями і нагайками відганяють від бар урядники і старости. А найвідоміша картина «Бурлаки на Волзі «! Ось він, портрет людей справжній плебей російського життя — бурлак, що ременями тягнуть баржу. Страшний, нелюдський працю, але Рєпін примудряється вдивитися в особи, побачити у кожному индивидуальность.

Історичний живописець, жанрист, портретист. Видатний рисувальник. Займався також офортом і літографією. Народився Чугуєві Харківської губернії у ній військового поселенця в 1844 году. Початкову художню підготовку одержав у школі топографів і в місцевих художників И. М. Бунакова і Л. І. Персанова. У 1863 року приїхав до Петербург, займався в Малювальної школі Товариства заохочення художників у Р. К. Жуковского і И. Н. Крамского, потім було ухвалено академію мистецтв (1864). У період вчення спілкування з широким колом демократично налаштованої молоді, був захоплений ідеями Чернишевського. Через Крамського зблизився з Петербурзької артіллю художників, бував їхньому «четвергах ». Про чутливості Рєпіна до громадським подій епохи свідчить малюнок, який зображає Д. В. Каракозова перед стратою. Раннє творчість художника дуже різнобічно. Він працював над академічними «програмами «релігійного змісту, трактуючи їх понад в психологічному, ніж у піднесеновідверненому дусі. Така картина «Іов та друзі «(1869), відзначена Малої золотий медаллю. У вільний час Рєпін пробував себе у побутовому жанрі («Приготування до іспитів », 1864), портретировал рідних і друзів. Про високу майстерність художника-початківця свідчать портрети: В. Е. Репина (1867), матері (1867), Г. Д. Хлобощина (1868) та інших. У портреті В. А. Шевцовой, нареченої художника (1869), психологічна точність і серйозність передачі зовнішніх й наявність внутрішніх чорт дівчини узгоджується з особливою красою стриманих колірних відносин. Визначним твором стало «Воскресіння дочки Иаира «(1871), протягом якого автор отримав Велику золоту медаль. Одночасно Рєпін працював над інший картиною — «Бурлаки на Волзі «(1870−1873), відразу ж потрапляє при своїй появі прославившей ім'я художника.

Безперечно, картини Рєпіна — це те класика, яка знайома кожному російському людині з дитинства. Підручники і хрестоматії сповнені репродукцій з його картин. Проте, дивина, про його життя, її сім'ї люди знають трохи. Цікаво, що ім'я великого художника об'єднує три колишні радянські республіки, нині окремі держави: Україну, де він народився (біля Харкова), Росію, де він навчався прожив більшу частину життя (в Петербурзі та його околицях), і Білорусь, де в нього було маєток в містечку Здравнево, під Витебском.

" У 1892 року, після своєї персональної виставки, коли імператор Олександр III придбала в Рєпіна знамениту картину «Запорожці «, художник отримав фінансову змогу набути маєток, де міг би влітку відпочивати від метушливого Петербурга, — розповідає науковий працівник Музею Рєпіна в Здравнево Валерій Шишанов. — Довго він вибирав маєток під Петербургом. Але 1 травня 1892 року приїхав сюди. Йому дуже сподобалися види, «зла і бурхлива «ріка Двіна. І, не вельми торгуючись, він здобув це маєток за 12 тисяч рублів (велика на той час сума). Вона тоді 108 десятин землі (трохи більше 108 гектарів) — з лісом, ріллею, 40 головами великого рогатого худоби. До того ж дім» і безліч будівель: сарай, флігель, будиночок для робочих. Панський будинок містився одноповерховий, і рік Рєпін тут і розмістився. Та перешкодити йому стало затісно, і вирішив будинок переробити. Протягом кілька років йшла перебудова з його власному ескізу. Через війну будинок набув іншого вияву казкового тереми з башточкою » .

На жаль, 1994 року в Здравневе сталася пожежа. Від вдома майже не залишилося. Але співробітники Музею не опустили руками і нинішнього року майже відновили чудовий терем. А художника пам’ятає липова алея, вродлива, з розкидистими гілками сосна, і незвичний, у вигляді витягнутого прямокутника, ставок, створеного власноручно. Тривалий перший період було в збереження і набережна Двіни, берег якої Рєпін зміцнив кам’яною кладкой.

У Здравневе Ілля Репін створив знамениті картини «Білорус «(зберігається в Російському музеї Петербурга), «Осінній букет «(перебуває у Третьяковській галереї), «Місячна ніч «(в Мінськом музеї), багато інших картин, які зберігаються у Фінляндії, Франції, Америці, Чехії. Там знято краса цієї землі, образи білорусів, картини із цивілізованого життя Здравнево.

Скажімо, «Осінній букет «- це портрет дочки художника Віри, створений просто у саду біля садиби. Тут багато зелені, яка, втім, поступається місце желто-рыжим осіннім фарб. У фільмі багато повітря, світла. Недарма Павло Третьяков відразу придбав «Осінній букет «художник. Знав, що купує шедевр.

" Білорус «- теж портрет, створений біля садиби. Вродливий хлопець слід за мостках, відкинувшись на бильця. Це, виявляється, місцевий селянин Сидір Шавров, з яким Рєпін дружив. І взагалі селяни любили художника, хоча й для них — барин.

" На Ільїн день (2 серпня) в Здравневе зазвичай влаштовувалося гуляння. Ілля Репін запрошував селян, пригощав їх. Звучала музика, були танці, феєрверки, — розповідає Валерій Шишанов. — І на 1918 року, після Жовтневої революції, селянський комітет заступився за рідних Рєпіна, які продовжували тут жити, просив, щоб їх «розкуркулювали ». Більше того, хоч селяни і держава сама жили бідно, але допомагали Рєпіним як могли, приносили продукти " .

Рєпін прожив у Здравневе щодо недовго — з 1892 по 1901 рік. Останні 30 років життя (аж до смерті 1930 року) він провів під Петербургом у містечку Куоккала (нині Репино). Там і. Однак під Здравневым всі роки жила дочка художника Тетяна з родиною. Нині його нащадки живуть у Франции.

А тут, в садибі, відновлено Музей. Співробітники одержимі ідеєю перетворити Здравнево на сучасний туристичний комплекс. Щоб як і більше людей доторкнулося до чудовим місцях, побачило неповторні пейзажі, такі яскраво змальовував Ілля Репин.

Картини Рєпін — прикрасу головних музеїв національного мистецтва не лише Росії, але й кордоном. Мистецтво Рєпіна — те що ми пишаємося і захоплюємося. І, подібно Пушкіну у літературі, він також панує на мистецькому Олімпі России.

Світочі Чувашии.

Чувашія має багатющими традиціями у живопису, використовуючи які чуваські художники змогли зайняти своє своє достойне місце й знаменитість у всій Росії. До початку ХХ століття можна було розмовляти народження національної чуваської інтелігенції. Однак у області образотворчого мистецтва тут був ще жодного традицій, ні школи. Серед перших стипендіатів в Казанської художньої школі був 17-річний селянський юнак з Алатырского повіту У. Воронов, навчався із 1898 року. На початку революційних перетворень у країні цю школу закінчили десять чувашских художників, стали невдовзі першими мастерами-профессионалами: Проте й І. Александровы, М. Андріанов, І. Ведянин, Ф. Лаврентьєв, І. МаксимовКошкинский, М. Цвіркунів, Р. і М. Спиридоновы та інші. Деякі їх, а також архітектор Є. Мартенс, театральний художник До. Васильєв та інші стали кістяком організованій на 1920 року изосекции при Чуваському Відділі народної освіти. Початком діяльності Изосекции стало прикрасу Чебоксар до 1 Травня в 1921 року. Воно складався з 20 барвистих панно і плакатів, тріумфальної арки, оформлення масового театралізованого дійства березі Волги. Там був «розіграно» бій загонів Степана Разіна з царськими стрільцями. Дійство завершилося відкриттям тимчасового пам’ятника Роззявлю. Можна сміливо сказати, що 1 Травня 1921 року став іменинами чуваського образотворчого мистецтва. На початку тридцятих років в Чувашії працювало вже близько 30 живописців, скульпторів, графіків. Був грунтується Оргкомітет художників Чувашії, й у 1935 року відбулася I з'їзд художників Чуваської автономії. М. Спиридонов і М. Сверчков—старейшие чуваські живописцы—после закінчення Казанської художньої школи займалися у Вищому художньому училище при Академії мистецтв у Петербурзі. Однією з кращих творів М. Спиридонова минулих років було полотно «Пузырист» (1929), экспонировавшееся в Москві 1929 року на XI виставці АХР.

Потяг народу мистецтва була величезною. У першій виставці робіт Чуваського філії АХРР 1927 року побувало три з половиною тисяч глядачів, тобто половина тодішнього населення Чебоксар.

Цікавий шлях художника Ю. Зайцева. Син сільського теслі, він 16-річним хлопчиком найнявся помічником до іконописцю А. Львову і розписував разом із церкви. Він побував на Петербурзі, Ростові-на-Дону, Баку, Катеринославі, Свеаборзі, познайомився із багатьма художниками, у цьому числі з До. Юоном, А. Фоміним, І. Дудиным, чимало в них навчився. Після повернення 1928 року у Чувашії, він займався художньої фотографією, ілюстрацією для періодичної преси, створював мозаїки. Художник постійно хотів перебувати у натовпі життя і по похилого віку завзято шукав найбільш виразну форму на свої творів, присвячених разючим змін у житті чуваського народу. Їм написані натхненний портрет «Льотчиця Санюк» (А. Лазарєва) і з картини піти з життя чуваської села. Особливо запам’ятовується його полотно «Акатуй» (1934), присвячене свята закінчення польових робіт. Картина підкуповує щирістю і схвильованістю автора. Вона повна руху, і як випромінює радость.

1930—1950;е ж роки були знаменні найбільше розвитком тематичної картини і портрета. Художники, особливо плідно що працювали роки (М. Цвіркунів, М. Спиридонов, Ю. Зайцев, А. Тагаев-Сурбан, У. Воронов, У. Макаров, Р. Єрмолаєва, У. Гурин, М. Овчинников, М. Карачарсков та інші), направляли свої головні зусилля створення картин, що відбивають сучасну чувашскую дійсність. Закономірним етапом цьому шляху було освоєння професійного майстерності і традицій російської живописної школы.

М. Карачарсков—художник молодшого покоління. Велику популярність дало йому полотно «Про нас пишуть. Бригада будівельників» (1969), і навіть цикл картин «Люди колгоспу «Янгорчино» (1977), протягом якого він нагородили Срібною медаллю Академії мистецтв СРСР. Приблизно з середини 60-х років в чуваської живопису почало з’являтися все більше творів із зображенням національного костюма, національних звичаїв («Наречена» М. Спиридонова, 1960, «Чуваська весілля» М. Сверчкова, 1967, «Молодята» У. Семенова, 1969, «Портрет чувашки» У. Гурина, 1965, «Сваха» М. Овчинникова, 1972, «Чуваський натюрморт» У. Немцева, 1969). Інколи ним було притаманний відомий етнографізм. Завдання створення власної художньої школи живопису вимагала глибшої інтерпретації народної орнаментального культури, улюблених народом цветосочетаний, ритмів, характерних як для декоративних мистецтв, але й поезії, народної музики і танца.

Живописець Р. Федоров уважно вивчав російське мистецтво — іконопис, картини А. Архипова, Ф. Малявіна, перспективні побудови До. ПетроваВодкина. Р. Федоров закінчив графічний факультет Харківського державного художнього інституту, у 1963 року. Картина «Сеспель», присвячена чувашскому поетові, була його дебютом. За нею йдуть: «Пісня», «Весілля в Шоршелах», «Ікар ХХ століття» і «Земля поэта».

У творчості Федорова традиції російського народу та чуваського мистецтва сплавилися органічно і цілісно на абсолютно нової, вільної громадської та сучасної інтерпретації. Тут тактовно поєднуються сучасна і історична тематика. Національні типи входить у його мистецтво легко і, природно. Художника цікавлять передусім люди, людське у людині, а чи не національна приналежність. Федоров стає однією з важливих майстрів національної школи живопису. З джерел чуваської традиційної культури він бере її глибинні і характерні особенности.

Цікавий шлях у мистецтві художника А. Миттова. Після Чебоксарского художнього училища він закінчив ленінградський Інститут живопису, скульптури й архітектури їм. І. Є. Рєпіна по майстерні станкової графіки. Його улюблена техника—темпера на папері чи картоні, з додаванням бронзи. Графічна чіткість композицій, оконтуренность обсягів зазвичай поєднуються у Миттова з тонкою мальовничістю тл, з вмілим використанням кольору. У його творчості помітно вплив російських художників, наприклад, Білібіна. Разом про те але його робіт чимось невловно нагадує твори майстрів Сходу, наприклад монгольські гуаші XVII—XIX століть. Залишаючись самобутнім, Миттов спирався як на народну чувашскую орнаментику, а й у мистецька спадщина народів Азії. Звідси, мабуть, примхливий ритм його аркушів, орнаментальність малюнка, загальна декоративність. Він зумів поринути у дух народного мистецтва і зберегти властиву йому цілісність і непосредственность.

Мистецтво У. Агєєва відрізняє філософське роздумі про своє предків, друзів, про людських відносинах. Якщо казати про традиції та джерелах його творчості, це — Дюрер, Бохс, Гойя. Вони явно надали впливом геть пошуки художника. Імпульс, даний знайомством з тими великими майстрами, було розвинено і підтриманий любові до сміливою колірної композиції, що перегукується з чувашскими народними вишивками, домотканими пологами.

У разі зіставлення робіт Агєєва має з доробком Федорова і Миттова представляється, що на відміну від нього він передає чувашскую легенду і баладу, думку про землі і «своїх предків мовою класичного искусства.

Національний колорит чи етнічний тип—не нього. Агєєв прилучає національне зміст до загальнолюдським художнім цінностям. Чуваський фольклор хіба що перекладається інтернаціональний художній мову, і автор цих цього перекладу цим стверджує, що філософськи осмислена чуваська казка чи притча щонайменше важливі в загальнолюдської культурі, ніж індійські легенди, російські казки чи скандинавські саги.

Розгляд творчості трьох цих художників дозволяє зрозуміти складні процеси, які у чуваському мистецтві: асимілювання досягнень світового та російського спадщини, народної художньої культури та становлення цій основі власної національної школи. Перший етап її формування був із пошуками національного вмісту у об'єкті зображення. Відмінність наступного етапу, що з роботами Миттова, Федорова і Агєєва — у цьому, що киселинсько-берестський осередок тяжкості переноситься з особливостей об'єкта на художню інтерпретацію увиденного.

У полотні Р. Федорова «Земля поета», картині У. Немцева «Озеленювач ярів» та її натюрмортах, у творах М. Ведерникова, в пейзажах А. Симакова, у непростих за кольором портретах М. Енилина —бачимо, що суто мальовничі пошуки сприяють найбільш потужному впливу змісту, глибшого та повного розкриття теми. А. Спиридонова, Є. Вдовичева, Р. Єрмолаєва, У. Гурин зробили значний внесок у розвиток чуваської живописи.

Художник Овчинников Н.В.

Найяскравішим майстром чуваської тематичної картини є Овчинников Микола Васильевич.

Народився 14 жовтня 1918 р. у селі Мижули Мариинско-Посадского району ЧАССР. Після семирічки навчався у Алатырском художественно-граверном училище, потім у підготовчих класах при Академії мистецтв у Ленінграді, першою курсі Академії. Служба до армій, учасник Великої Великої Вітчизняної війни, має нагороди. Після демобілізації - навчання у ленінградському художньому інституті їм. І. Є. Рєпіна, в аспірантурі, в творчою майстернею А. М. Герасимова, викладач Чуваського педінституту їм. І. Я. Яковлєва. Член Спілки художників СРСР, кандидат мистецтвознавства, заслуженого діяча мистецтв ЧАССР, народний художник ЧАССР, професор, лауреат Державної премії ЧАССР їм. До. У. Іванова, Заслужений художник РРФСР, живописець. Голова правління союзу художників Чувашії, нагороджений орденом Дружби Народів. Учасник численних республіканських і всеросійських виставок. Його полотно «Первісток», створене 1952 року, експонувалося на Міжнародної виставці творів молодих митців у Бухаресті, приуроченій фестивалю молоді та студентов.

…Напровесні, трохи пригріває березневе сонце. З сільського пологового будинку молода подружжя бережно несе свого первістка. Полотно перейнято щирим і непідробним почуттям, щоправда, із трохи помітним нальотом сентиментальності. Але сила художника — саме у щирості произведения.

У картинах Овчинникова велике його місце займає пейзаж, діючий активно, створює настрій. Природа Чувашії дає художнику благодатний матеріал. Трохи хвилясті рівнини, облямовані величними лісами, широка безмежна Волга, які стоять то тут, то там, вже непрацюючі, сірі вітряки… Художник з великим ліризмом передає вроду й своєрідність рідного краю. Активним пейзаж й у однією з найбільш відомих його картин «Здрастуй, Земля!», яка зображує космонавта Андріана Миколаєва після приземлення. Серед художників свого покоління Овчинников однією з перших почав вводити в станковий картину портрет. Його твори робилися хіба що менш «вигаданими» і більше документально-повествовательными. Великий удачею художника є портрети колгоспників і знатних людей Чувашії, створені на початку 1970;х годов.

Основні праці: «Підписання декрету про утворення Чуваської автономії», «Первісток», «У сільмазі», «Перша борозна», «Воробушки», «У нашої бригаді прибуло», «Здрастуй, Земля!», «На батьківщині», «Якось на зорі», «Жнива. Мати», «Після зміни», «Наречена», «Підкорювачі», «Навіки разом», «Важкі кілометри. Будівельники газопровода».

За підсумками живого народного прагнення художнього осмисленню дійсності розцвітає і творчість професіоналів, як-от Овчинников Микола Васильевич.

Заключение

.

Російське образотворче мистецтво, перейнятий передовими ідеями того часу, служило великої гуманної мети — боротьбі звільнення людини, за соціальне перебудову всього общества.

Центральної темою російській та чуваської живопису став народ, його біди, страждання, працю, боротьба. Реалізм затверджувався у живопису, долаючи опір офіційного напряму з притаманною йому культом класицизму і переважанням біблійної тематики.

Наприкінці ХІХ століття було створено Артіль вільних художників на чолі з І. М. Крамским. Про цю подію знаменувало народження незалежного від офіційної опіки образотворчого мистецтва, наверненого безпосередньо до поточної дійсності. Складається Товариство художніх пересувних виставок. Ця ініціатива передових художників носила просвітницький характер, відповідаючи духу громадської боротьби, котра під гаслом «ходіння в народ».

Живопис XIX — XX століть характеризується народністю і гуманізмом, ідейним і національним багатством, глибоким відтворенням людських характерів й історичною правдой.

Отже, досліджена нами тема вважається закрытой.

Список використаної литературы.

1. Великий енциклопедичний словарь.

Москва. 1998 г.

2. Зуєв М. Н. Історія России.

Москва. 2003 г.

3. Образотворче мистецтво Радянської Чувашии.

Москва. 1980 г.

4. Допомога за історії России.

Санкт-Петербург. 1996 г.

5. Художники Чувашии.

Бібліографічний довідник. Чебоксар. 1989 г.

6. Шумова М. Н. Російська живопис середини XIX века.

Москва. 1984 г.